MÚSICA

PEREZA, LA ÚLTIMA REVELACIÓN DEL PANAROMA MUSICAL ESPAÑOL

No se conocieron en la oscuridad del garito más lúgubre de su ciudad (o sí, quizá); tampoco pueden quejarse de una infancia desgraciada o un pasado negro de drogas duras. Desde luego, ni el padre de Rubén ni tampoco el de Leiva son dueños de una famosa agencia de modelos. Por el momento, claro. El de la guitarrilla, Rubén, se forjó una reputación de roquero indomable con los Buenas Noches Rose, con quienes se recorrió la Piel de Toro y grabó tres estupendos álbumes antes de cumplir los 25. Leiva, el patillas que toca el bajo, venía de patearse garitos con Malahierba. Surgió una actuación más o menos informal, un tributo a Leño, y la extraña pareja necesitaba un batería; aquí es donde entra Tuli, el primer bateria que tuvo la banda. Bautizado a fuego lento como Pereza, el trío se hizo serio cuando RCA les puso la vista encima. Los mediocres se pelean por un contrato; en el caso de Pereza, la industria del disco les hizo un placaje mientras ellos se dejaban querer.
Pereza grabaron un primer disco, autotitulado, con el productor Carlos Martos (ya sabes: Enemigos, Ronaldos, etc.) en 2001. Rubén cantaba y tocaba la guitarra; Leiva le daba al bajo y Tuli a la batería. Luego se fueron a tocar por ahí, como hacen las bandas de rock. Casi siempre eran Pereza, una apisonadora como pocas en directo; no es de extrañar que acabaran cada una de sus actuaciones medio muertos, en trance. Pero algunas veces también eran Despereza o La Banda de los Zapatos Blancos, el grupo que acompañaba al periodista y músico Fernando Martín en sus shows.
En 2002, Tuli se cansó de la batería y abandonó el barco para tocar el clarinete, su otra gran pasión.. Rubén y Leiva, reconvertidos en dúo, se reponían del susto grabando con Patacho (ex Glutamato Ye-Ye, por supuesto) Cuando la luna se durmió, para el disco Fuga de vocales.
A lo largo del año, mientras se gestaba su segundo álbum, Pereza hicieron colaboraciones estelares en el disco solidario Patitos Feos -recordando a La Bruja Avería, de La Bola de Cristal- y grabando una inspiradísima y roquerizada versión de Voy a pasármelo bien para el álbum de homenaje a Hombres G. El propio David Summers, encantado con el trabajo de Rubén y Leiva, decidía bautizar el disco con el título de aquella canción.
El nombre de Pereza comenzó a sonar más fuerte que nunca, generando llamadas a horas intempestivas a los cuarteles generales de RCA. El grupo había alcanzado la madurez y la competencia se interesaba por su cláusula de rescisión, aunque la postura de su discográfica fue tajante, recordando una vez más a Leño: "Que no se vende el rock and roll".
Pereza, mientras, se centraban en lo importante: Algo para cantar, el álbum definitivo. Grabado a lo largo de varios meses, durante largas sesiones de producción con Fernando Montesinos, con las tareas vocales repartidas entre Leiva y Rubén, el segundo disco del grupo sería el dedo en la llaga del rock & pop, la aguja en el pajar, el eslabón perdido de un género injustamente desprestigiado. Porque 245 de las 247 personas que escucharon Algo para cantar antes de su publicación se creen ahora mejores personas, y las otras dos tenían desórdenes afectivos graves, como la gilipollez y otros. De cara a la gira de presentación de Algo para cantar en directo, Rubén y Leiva se hicieron con los servicios de un par de colegas de confianza: Pitu y Rober. El primero, guitarrista de melenaza rubia y Gibson Les Paul, había coincidido con Leiva en Malahierba; el segundo, no menos melenudo y batería de probada solvencia, tocaba con Café Olé y había sido compañero de Rubén en Buenas Noches Rose. Multiplica un disco sencillamente perfecto por un cuarteto roquero como pocos, muy joven pero curtido en mil batallas, y lo que obtienes es justamente a Pereza. Si has sido capaz de leer hasta aquí, tío/a, probablemente entiendas por qué este es el grupo joven más perseguido por la industria musical española.

MIKE OLDFIELD

Michael Gordon Oldfield nació en Inglaterra (15-V-53). Mike Oldfield (su nombre artístico) no tuvo una infancia fácil, su madre (una irlandesa)era alcohólica y esta condición era difícil de asimilar para aquel joven y tímido chaval, fue entonces cuando encontró en la música su forma de evadirse de aquella hostil realidad. Aprendió a tocar la guitarra viendo a su padre, un doctor que todos los días de Nochebuena les tocaba la única canción que el buen hombre sabía, "Danny Boy", y la tocaba con una guitarra que poseía desde la segunda guerra mundial. Mike aprendería y a los 7 añitos compondría sus primeras melodías. Su hermana Sally (seis años mayor que Mike) tenía una voz privilegiada para la canción y solía ser habitual escucharles a los dos cantando folk. En 1967 (con 13 años) decidió dejar la escuela, y crea un dúo con su hermana Sally, "Sallyangie" con imagen de niños hippys y haciendo música folk tradicional. Él
se encargaba de tocar la guitarra mientras que su hermana Sally ponía la voz.
Mike decide dejar el dúo con su hermana y forma su propio grupo, "Barefeet", un proyecto que no cuajó y a las primeras de cambio se disolvió. Empezó entonces a colaborar tocando el bajo en el grupo "Kevin Ayers & the whole world" que estaba liderado por el ex-Soft Machine Kevin Ayers. Los ambientes en los que se movía el grupo no eran demasiado ortodoxos, bebían mucho y fumaban todo tipo de drogas, pero durante el tiempo que estuvo en el grupo tocando el bajo, aprendió y perfeccionó sus conocimientos musicales. Durante esta época conocería a David Bedford, amigo que le influyó, aconsejó y enseño parte de lo que hoy sabe. En el interior de su mente había inquietud por innovar en la música y un descubrimiento casual le dio la oportunidad de ordenar sus ideas. Descubrió que bloqueando el cabezal de borrado de una grabadora se podía grabar sobre la cinta con un instrumento, rebobinar, y volver a grabar por encima con otro instrumento diferente sin temor a borrar lo anterior, ya que la grabación anterior se mantenía y quedaban superpuestas las dos grabaciones. De esta manera podía emular con largas escalas de composición y varios instrumentos a una orquesta completa y crear su
propio trabajo sinfónico, con la novedad añadida de que no sería música clásica porque utilizaría instrumentos típicos del rock. De esta manera Mike desarrollaría un novedoso estilo musical, el Rock Sinfónico. Ahora quedaba plasmar todas estas ideas en una maqueta y así,
aprovechando los ratos libres que le dejaba su colaboración con The Whole World empezó a grabar en los estudios Abbey Road la maqueta de lo que después sería el "Tubular Bells".

Con la maqueta del Tubular Bells se pateó las compañías discográficas de
Londres para intentar convencer a alguien para que publicara el proyecto,
pero todas las compañías discográficas calificaban a la maqueta como poco
(o nada) comercial. No les interesaba un disco con tan solo 2 canciones de
25 minutos que no sonaba ni a pop, ni a folk, ni a música clásica. Richard
Branson, propietario por aquel entonces de una cadena de tiendas de discos
tenía en mente la creación de un sello, "Virgin Records", y un día y por
pura casualidad conoce a Mike. Branson al escuchar la maqueta quedó
apasionado y decidió darle una oportunidad a aquel
hippy pero tímido chaval. Branson consiguió el permiso para construir el
estudio en The Manor, cerca de Oxford, y allí se metió Mike para grabar,
ahora sí, el Tubular Bells. El disco fue grabado enteramente por Mike
Oldfield (entonces tenía ¡¡19 años!!) que se las arregló para tocar él
solito los 28 instrumentos que se oyen, en 80 grabaciones separadas. Tubular
Bells se publicó en Junio de 1973 y fue un auténtico éxito por su
novedosidad e innovación, y lazó a Mike al estrellato musical. Branson
también se llevó una buena tajada, ya que con un solo disco oficial en el
mercado, Virgin records consigue desbordar su recién inaugurada tesorería
y se convierte en una poderosa compañía discográfica.

Los siguientes 3 discos de Mike no harían más que confirmar la categoría de
prodigio de aquel joven inglés, que con sus obras instrumentales arrasaba
por todo el mundo. Pero todo aquel éxito era demasiado para aquel tímido
joven llamado Mike. Para superar su enfermiza timidez y poder asimilar el
éxito, tomó parte en un seminario mantenido de exégesis, que es una
terapia que acrecienta la autoestima y la confianza en uno mismo. La
terapia causó efecto, Mike ya no era aquel joven tímido, pero se
convirtió (paradójicamente) en engreído y arrogante. Fue entonces cuando
se casó con Diana Fuller en Kensington, que a su vez era la hija del
fundador de la Exégesis. Aquel matrimonio estaba predestinado al fracaso
y un mes después se separaron.
Mike durante este tiempo dio un giro muy grande en su personalidad y ésto se
reflejó en su cambio de imagen, aquel joven hippy se cortó el pelo y se puso
pendiente. Una vez publicado su cuarto disco y perdida la timidez, en 1979
se embarcó en su primera gran gira. Fue una gira espectacular, con 50
músicos sobre el escenario: orquesta sinfónica, grupo de rock y coro. La
experiencia fue muy satisfactoria en lo artístico, pero financieramente fue
un auténtico desastre. Noche tras noche los conciertos eran multitudinarios,
pero no se recaudaba los suficiente como para cubrir los gastos, y Mike
terminó la gira con una deuda de un millón de libras. Estaba arruinado.

Para pagar las deudas decide cambiar el formato de sus discos. Sus
primeros 4 discos eran auténticas obras instrumentales, y se hizo famoso por
los formatos de las mismas; sus discos sólo tenían dos canciones, una por
cada cara del disco, por lo que eran canciones larguísimas y de una gran
complejidad interpretativa. A partir de ahora alternará temas instrumentales
y canciones más comerciales (de corte pop). Estas canciones pop serán de
menor complejidad interpretativa pero llegarán mejor al público en general,
y así recaudar fondos con el objetivo de salir de su crisis financiera.
Un claro ejemplo es Crises, disco que salió en el año 1983 y donde se encuentra
encuentra la canción "Moonlight Shadow", que al mismo tiempo de conseguirle
el reconocimiento del gran público y consagrarle como artista, le traería
problemas de cara al futuro con su discográfica de toda la vida; Virgin.

Virgin viendo el éxito de Moonlight Shadow le pedirá más temas pop
(comerciales) en sus discos y le presiona para que al menos publique un
disco al año. Mike no está dispuesto a sentirse presionado a la hora de
publicar los discos, él necesita libertad para crear, y tampoco está
dispuesto a dejar de escribir temas instrumentales porque, según sus
palabras, son una necesidad para él, son temas que necesita crear para
conseguir su propia satisfacción personal. Para solucionar el problema,
llegan a un acuerdo; alternar discos comerciales e instrumentales. En
1989 Mike publica "Earth Moving", un disco íntegramente compuesto de
canciones pop, y por lo tanto el siguiente disco será instrumental. En 1990 publica
"Amarok", completamente instrumental, al estilo de sus primeros discos; El
disco está compuesto por un sólo tema que dura 60 minutos, en el que Mike
toca más de 50 instrumentos diferentes. Richard Branson le pide que
le ponga el título de "Tubular Bells 2" ya que son conscientes de la grandiosa
calidad del disco y de que la repercusión con éste título sería mucho mayor,
(y de paso volver a echar mano al filón 17 años después). ¡Mike se niega!.
Virgin, dando un golpe barrio bajero se desentendió completamente del disco
y no quiso promocionarlo, por lo que una obra maestra como "Amarok" pasó
completamente desapercibida para el público y comercialmente fue un fiasco.
Esta sería la gota que colma el baso. Mike indignado y harto de las trifulcas
con Virgin y del comportamiento de Richard Branson, se despide de Virgin y
ficha por la prestigiosa Wea (Warner) que le daría libertad absoluta en sus
creaciones.

Su primer disco en su nueva casa discográfica llevará el titulo que durante
tanto tiempo le pidió su antiguo jefe Richard Branson, el "Tubular Bells 2",
que es una brillante actualización del original Tubular Bells del 73. Virgin
intentando sacar la última tajada del genio que les deja inundará el mercado
con recopilaciones llenas de viejas canciones de Mike, porque al fin al cabo,
Virgin tiene los derechos de sus primeros 14 discos y quiere maximizar la
rentabilidad de su ahora extinta relación profesional con Mike. Durante los
siguientes años de la contratación por la Wea, Mike cambiará varias veces de
compañera sentimental, y eso se nota en la
variedad de estilos de sus últimos discos, en los que se recrea con los más
modernos sintetizadores, se empapa de música tradicional celta, conoce la
alocada vida de Ibiza (sin comentarios), y finalmente vuelve a sus inicios
como virtuoso guitarrista.

EVANESCENCE

La historia de Evanescence comenzó a cuajarse en Little Rock, Arkansas, cuando el joven guitarrista Ben Moody y la cantante Amy Lee se conocieron en un campamento de adolescentes al que ambos habían acudido. Fué este quien le propuso a Amy Lee formar un grupo.
Empezaron a componer canciones de forma conjunta, como "Solitude", "Understanding", y "Give unto me". Evanescence comenzó a darse a conocer cuando una emisora local de radio comenzó a emitir sus canciones. A medida que su popularidad crecía, se les ofreció la posibilidad de tocar en directo, con la ayuda de Will Boyd, John Lecomp y Rocky Gray. A raiz de su primer concierto en 1998, grabaron su primer sencillo, con una tirada de 100 ejemplares, que se agotaron prácticamente al momento, gracias a la incipiente popularidad del grupo. El título de este primer sencillo era, precisamente, "Evanescence".
En Noviembre de 2000, editaron su primer álbum, "Origin", gracias al apoyo de una discográfica local. Las 5000 copias iniciales se agotaron en pocos días y hubo que sacar una nueva tirada.
Tras fichar por la discográfica Wind-up, editan su segundo álbum, "Fallen". El tema principal del disco, "Bring me to Life", fue interpretado para la ocasión a duo por Amy Lee y el cantante de "12 Stones", Paul McCoy. El tema resultó un gran éxito entre los fans y el álbum alcanzó el quinto puesto en la lista Billboard. Evanescence ha colaborado también con dos temas en la banda sonora de la película "Daredevil".

EL POETA QUE AMABA TANTAS COSAS

Neruda en el corazón es un proyecto que nace del centenario de Pablo Neruda y que trata de acercarse musicalmente al poeta más grande del siglo pasado; aceptando de antemano que un poeta tan extraordinario y tan torrencial –4.000 páginas escritas-, la mayor parte poesía, es difícilmente resumible en un CD o un DVD.
De Pablo Neruda se han editado miles de ediciones en diferentes idiomas –solamente en EEUU, 58 antologías- miles de ensayos; pero por encima de todo, Neruda, siempre fue un poeta enormemente popular, que sin abandonar nunca su vertiente lírica, amorosa, se ocupó al tiempo de todos los asuntos terrenales...Puede cantar al caldillo de congrio o a la flor más diminuta que crece en Los Andes, sin dejar de recordar a prisioneros, perseguidos o solitarios.
Él se consideraba un poeta de utilidad pública. Es el Picasso de la poesía porque abarca todo. Nada le era ajeno. Se definió a sí mismo como un hombre de papel. Si no tenía un papel frente a él para escribir, se sentía abandonado. Si a los veinte años publica “Veinte poemas de amor y una canción desesperada” al final de su andadura está escribiendo “Invitación al nixonicidio y otros poemas”. Hoy, estaría escribiendo probablemente “Invitación al bushinicidio y otros poemas”. Poeta de guardia, en el amor y en la vida. Poeta a tiempo completo, volcánico, torrencial, imprescindible.
Federico García Lorca le definió con estas palabras: “un poeta más cerca de la muerte que de la filosofía; más cerca del dolor que de la inteligencia; más cerca de la sangre que de la tinta. Un poeta lleno de voces misteriosas que afortunadamente él mismo, no sabe descifrar; un hombre verdadero que ya sabe que el junco y la golondrina son más eternos que la mejilla dura de la estatua”.
Neruda existirá aún después de que desaparezca la música grabada, la letra impresa o los estúpidos viajes a la Luna.
Se invitó a participar en este proyecto a diferentes autores, músicos, intérpretes de la tella de:
Adriana Varela - Me gustas cuando callas

Ana Belén - Tonada de Manuel Rodríguez

Antonio Vega – No te quiero sino porque te quiero

Carmen París - Para que tú me oigas

Enrique Morente - ¿Quiénes se amaron como nosotros?

Joan Manuel Serrat - Puedo escribir los versos más tristes...

Joaquin Sabina - Amo el amor de los marineros

Jorge Drexler – El monte y el río

Julieta Venegas - A callarse

Lucio Dalla - Mia bruta (mi fea)

Miguel Bosé - Walking around

Miguel Poveda - Te peina el viento los cabellos

Miguel Rios - Oda a la tristeza

Pablo milanés - Para mi corazón basta tu pecho

Pedro Guerra - Antes de amarte

Sole Giménez - Casa

Vicente Amigo con Montse Cortés – Oda a la guitarra

Víctor Manuel - Plenos Poderes

Cada uno ha trabajado con sus propios equipos y se ha grabado este trabajo en Madrid, Córdoba, Valencia, Barcelona, La Habana, Buenos Aires, Bolonia y Miami. Neruda en el corazón (CD + DVD) se publicó el pasado 28 de Junio y promete ser el éxito poético del verano. Por otra parte, la Fundación Autor editará un disco-libro .El libro está escrito en España por Pablo Neruda en 1936-1937 y se titula: España en el corazón.
El DVD se titula El Poeta que amaba tantas cosas.
Es un recorrido por la vida y obra del poeta glosada por sus amigos como Rafael Alberti; o Rafita, su carpintero de cabecera o el pescador de Isla Negra que le traía sus pescados. Desde el primer Neruda que le escribe “Veinte poemas de amor” para Ernestina Azócar al que dedica “Los versos del capitán” a Matilde Urrutia. Un recorrido por el interior y las colecciones de su casa en Isla Negra.

EL FOLKLORE DE NELLY FURTADO

Esta joven canadiense, hija de padres de origen portugués, hace uso de su mezcla de culturas en sus letras y en su peculiar estilo en sus canciones. Plasmando en su música unos ritmos casi latinos como nos presenta con canciones como Powerless, primer single de su nuevo disco, titulado "Folklore". En una de las versiones de esta canción podemos volver a oírla junto con el colombiano Juanes, con el que ya colaboró en la canción "Fotografía", la cual tuvo mucho éxito sobre todo en el mercado latino.
Es a sus 18 añitos cuando se presenta a un concurso de jovenes talentos en Toronto, y es allí donde encuentra a su actual manager. Nelly influenciada por grupos como Digable Planets o PM Dawn, e incluso las TLC avivaron su interés por la música y el descubrir muchos más grupos como Radiohead, Oasis...
Esta chica que tocaba el trombón en la banda de la escuela y que imitaba a la mísmisima Janet Jackson, sacó al mercado en 1999 "Whoa, Nelly". Disco que tuvo su reconocimiento con el Grammy que en el 2002 recibió.
Ahora vuelve con su nuevo disco tras su gran revelación. La compositora y artista explica el nombre de su nuevo disco: "La palabra Folklore se relaciona con cosas mágicas y místicas, y a mí me gusta eso. Pero más allá de eso, yo pienso que Folklore se relaciona con la creencia en los orígenes. Básicamente son las historias de la gente. Todo el mundo alrededor del planeta tiene su propio Folklore. Puede ser claro, puede ser oscuro…”
Tras las palabras de la guapa canadiense de ojos azules, podemos ir más allá cuando oigamos canciones como "Try" además de su primer single “Powerless (Say What You Want)”, tema en el que podemos apreciar unas guitarras con aire portugués, la canción está escrita por ella misma y vuelve a sus raíces de hip-hop.
La joven cantante de 25 años, ha podido trabajar ya en su corta pero ascendente carrera con artistas de la talla de Missy Elliot, Juanes o los raperos Jurassic 5.
Así que esperemos que este nuevo disco le siga proporcionando el éxito que esta joven compositora y cantante se merece.

PINK

La cantante Pink nació en 1979 y es hija de de un veterano del Vietnam que le inculcó el amor a la música. Su verdadero nombre es Alicia Moore y tomó el nombre artístico de Pink después de ver la película Reservoir Dogs, teniendo como referencia el papel de Mr Pink que interpretaba Steve Buscemi.
Su infancia se desarrolló en Filadelfia, y la pasó escuchando a Janis Joplin, Jimi Hendrix, Nirvana, Guns N' Roses, Green Day y otros grupos. Comenzó cantando en un coro de gospel, aunque pronto cambiaría de estilo, uniéndose a un grupo punk.
Colaboró haciendo colos en la banda de rap Scratch N' Smoove y pasó por varios grupos de R&B hasta que consiguió firmar su primer contrato a los 16 años con el sello LaFace. Poco después empezaría su carrera en solitario.
Su primer álbum fue "Can't Take Me Home", publicado en el 2000, y le supuso el salto a la fama, consiguiendo un doble disco de platino y tres sencillos en la lista de los Top 10 en Estados Unidos. Pink participó también en el video de "Lady Marmelade" de la BSO de Moulin Rouge, junto a Christina Aguilera, Mya y Lil Kim.
En su segundo álbum, titulado "Missundaztood", el estilo de Pink se acerca más al rock, contando con colaboraciones de la talla de Steve Tyler, líder de Aerosmith, con el que interpreta el tema "Misery".
En noviembre del 2003 nos presentó su tercer trabajo, "Try This", con el que a buen seguro volverá a satisfacer a sus incondicionales fans, convertida ya en una de las voces imprescindibles del rock a nivel mundial.

HIM

Ville Hermanni Valo comenzó trabajando detrás de un mostrado en el Sex-Shop de su padre. Era un chico con cara de ángel y sonrisa de demonio que tenia un sueño. Harto de la música que le rodeaba, falta de imaginación y sentimientos, quería encontrar algo que pudiera conmover y llevar a la gente al borde de las lágrimas.
Y en el verano de 1995, hizo realidad su sueño formando en la gélida Finlandia el conjunto conocido como HIM (siglas de: His Infernal Majesty, Su Infernal Majestad), capaz de mezclar glamour y oscuridad en un equilibrio perfecto. Era una reunión de viejos amigos que compartían su visión de aquel tipo de música que Ville denominó love metal, a medio camino entre Depeche Mode y Dimmu Borgir; aunque a él le gusta volver locos a los críticos musicales diciendo que su estilo es blues escandinavo, y hasta ahora, nadie ha conseguido definir su estilo totalmente. Para Valo el Love Metal es una música con elementos de pop, metal, gótico, glam... Está inspirada en los sentimientos que se tienen antes del primer roce, antes del primer beso.
Valo es un híbrido a medio camino entre carismático líder de una banda de rock y decadente poeta en desgracia. Su imagen andrógina (resultado, tal vez, de los ancestros húngaros de su madre responsables de su aspecto oscuro y de las gotas de sangre de Drácula que corren por sus venas), junto con su especial estilo en los escenarios, con una copa de vino tinto en una mano y un cigarrillo en la otra y su voz profunda y pasional atraen la atención del publico de un modo irresistible
Tras publicar su primer sencillo: Wicked Game (versionando el título original de Chris Isaak) sacó a la venta en 1998 su primer álbum: Greatest Lovesongs Vol. 666. Para Valo y para HIM, el 666 es toda una contradicción, es el Bien y el Mal en el amor. El amor es más grande que la vida y más aun que la muerte el interminable duelo entre lo carnal y la pureza. De las nueve canciones de este disco, siete son originales escritas por Valo. Las otras dos, son las magnificas versiones que HIM interpreta, la citada anteriormente Wicked Game y (Don' t Fear) The Reaper, siendo esta última todo un clásico de los 70 del grupo Blue Öyster Cult. Poco después lanzó un nuevo sencillo (perteneciente también de este primer álbum) con el título de When Love And Death Embrace.
Dos nuevos singles bajo el titulo de Join Me (siendo este uno de los temas más representativos del grupo) precedieron a la publicación de su segundo disco a principios del año 2000: Razorblade Romance, alcanzando un éxito rotundo y vendiendo más de un millón de copias en todo el mundo (30.000 de las cuales se comercializaron en España). En este trabajo se despliega ya toda la fuerza del grupo y constituye el despegue definitivo de uno de los grupos más importantes de los 90. Right Here In My Arms, Poison Girl y Gone With The Sin son los títulos de los tres sencillos que salieron a la venta tras el éxito masivo de Razorblade Romance.
Pretending es el single que anuncia el disco Deep Shadows and Brilliant Highlights que ve la luz en Agosto del 2001. A pesar de ser un grupo muy representativo de lo que se ha dado en llamar rock gótico, este trabajo se parece más a grupos como Led Zeppelin o Bon Jovi (el productor de este trabajo, Kevin Shirley, ha trabajado también con grupos como Aerosmith, The Black Crowes), que a otros grupos, reyes del afterpunk (y origen del rock gótico), como pueden ser Bauhaus o Joy Division (incluso se permite homenajear el tema Ashes to Ashes de David Bowie en su canción Heartache Every Moment).
Con todo esto estamos ante un grupo incomparable, pasional y conmovedor, del que disfrutaran tanto los amantes de la escena gótica como aquellos que disfrutan con la música de los años 80.

HILARY DUFF, LA NUEVA REVELACIÓN MUSICAL

Hilary comenzó su carrera profesional en la edad de seis meses mientras que un bailarín con el ballet clásico de Columbus resolvió viajar la compañía del nutcracker. Pronto ella aterrizó en un papel en un anuncio de televisión, fue mordida por el bug" "acting; y atormentada rápidamente encima de una lista de los créditos temporarios de la televisión y de la película. Una estrella joven dinámica, Hilary tiene el papel del título en el "Lizzie internacional McGuire" de la serie del golpe de Disney Channel's; y el papel del plomo en este kelly del "Cadet de la bomba de superdemolición de year's, " cuál alinea como película original lo más arriba posible siempre clasificada de Disney Channel's, la película top-rated en la difusión y la televisión por cable para su semana de la premier y la película clasificada más alta del cable television's . En agosto de 2002, Hilary talentosa se cruzó encima a otras plataformas, haciendo su principio el cantar con el solo "I Can't Wait" en el "Lizzie McGuire" banda de sonido de los expedientes de Walt Disney. La canción catapulted rápidamente encima de las cartas en Disney de radio. Su principio acertado será seguido con su propio álbum de Navidad-themed programar para el lanzamiento este año por los expedientes de Walt Disney.
A sus 17 años Hilary Duff ha logrado acaparar la atención en el cine y la televisión y promete repetir el fenómeno en el mundo musical gracias a su producción Metamorphosis, que marca su ingreso formal a la escena discográfica tras el éxito de su álbum debut Lizzie McGuire Estrella Pop.
Admiradora de Britney Spears, Christina Aguilera, Madonna y Mandy Moore, la blonda adolescente saltó al estrellato como protagonista de la serie televisiva que transmite el canal por cable Disney Channel Lizzie McGuire, en 2001. Ese mismo año debutó en la gran pantalla en el film Human Nature junto a Patricia Arquette y Tim Robbins y desde entonces ha desarrollado una importante carrera en cine que incluye los filmes Lizzie SuperStar, Agente Cody Banks, Dos en casa y Más barato por docena, historia protagonizada por Steve Martin.

Repertorio
Catorce temas en estilo pop y letras que intentan plasmar con una voz dulce y aniñada la rebeldía adolescente, emociones y la ternura _escritas especialmente para teenagers_ caracterizan a Metamorphosis, producción que en Estados Unidos vendió 2 millones de copias y es presentada en el mercado venezolano por IC Records con licencia de Buena Vista récords buscando enganchar al público juvenil tal y como en su momento lo hiciera Britney.
Refiere el comunicado de prensa de ICR que desde hace más de 10 semanas Metamorphosis se encuentra entre los diez discos más vendidos mientras el tema promocional Why Not, se ha colado hasta los primeros lugares de las carteleras radiales criollas.
So yesterday, Come Clean, Workin' It Out, Little Voice, Where Did I Go Right?, Anywhere but Here, The Math, Love Just Is, Sweet Sixteen, Party Up, Metamorphosis, Inner Strength, Why Not y Girl can rock, son las líricas presentes en Metamorphosis, álbum mediante el que la joven intérprete _con look inocente y nada atrevido_ ha conseguido ser la luminaria pop del momento.

TIZIANO FERRO

El panorama del pop italiano andaba carente de nuevos valores. Tras Eros Ramazzoti y Laura Pausini, pocos nombres –a parte de Zucchero, claro está- habían destacado en el mercado internacional. Pues bien, con energías renovadoras y una coartada actual, Tiziano Ferro se ha convertido en la nueva revelación musical de Italia.
Nacido en Roma en 1980, el joven Tiziano se cría en el barrio de Latina. De pequeño muestra inquietudes musicales, aunque hasta las 16 años no empiezan sus contactos con el medio, al incorporarse a un coro de gospel en su barrio. De ahí al festival de Sanremo, donde en 1998 conoce a los que serán sus productores durante su segunda participación en el certamen. Con el nuevo milenio llega Xdono, su debut en formato single, que provoca un gran revuelo en el mercado italiano. Poco después, aparece Rosso Relativo (2001) el primer álbum, mientras su popularidad trasciende las fronteras italianas. El sonido de Tiziano Ferro, nutrido de R&B, two-step y baladas, cala hondo entre el público, para llevarle a lo más alto de los charts. Su último disco, publicado hace poco, es "111".
Influencias:
Black music:
El amor de Tiziano Ferro por la música negra empieza tras su afiliación a un coro local de gospel, siendo tan sólo un adolescente. No obstante, en su propuesta se perciben mayores dosis de ritmos y estructuras contemporáneas, como el R&B o el hip-hop, donde el muchacho se desenvuelve con soltura. También el soul se cuenta entre sus influencias.
Pop:
Pese a todo, Tiziano es blanco e italiano, por lo que tampoco es conveniente olvidar que las melodías emotivas forman parte de su cultura. El cantante recupera el testigo de Eros Ramazzoti o Zucchero para llevar el italiano a los primeros puestos de ventas, con una fórmula deudora de las tendencias pop anglosajonas de finales de los 90.
Discografía:
Rojo relativo:
"Cada tipo de emoción está coloreada por diferentes matices obsolotumente personales
para cada uno de nosotros. El sentimiento es una emoción. Todo lo que está causado por las "siete notas" está inclinado a los cambios emocionales, a los malentendidos, golpes pasionales o la indiferencia. Me gusta ensalmar cualquier reacción con un color. Todos pueden ver en una canción el matiz que cada uno prefiere y cada uno puede combinarlo a un texto o a una melodía. El amor pasional ha sido siempre imaginado como rojo.
Yo tambien lo he imaginado siempre "rojo". La música es el más grande de mis amores...indudablemente. Por eso escogí ese título. La canción "Rosso Relativo" habla sobre un amor ficticio, momentaneo, fuerte pero corto, un gran incendio destinado a estar apagado pronto...pero un incendio real! Por eso "Rosso Relativo" concerniente a la situación, a la capacidad y al carácter de quién vive una situación como esa, concierne a quién escucha esa música. Es un rojo brillante durante una noche de amor, una noche durante la cual una banda sonora podría ser "Le Cose Che Non Dici", "Primavea non è +" o "LOlimpiade", canciones estilo R&B, voz con coros y percusiones. Es un rojo debilitado el día después pues se está descolorando el entusiasmo, quizás mientras que escucha los blues "mid-time" de "Mai Nata", "Di Piu", "Boom Boom" o "Soul-Dier", temas que sienten los efectos de la gran influencia negra que el gospel ha dejado en mi. Durante los momentos reflexivos nacieron las baladas como "Imbranato" y "Il Confine" en los cuales el espiritu del soul se une con el fuego italiano, el fuego que nos marca como hombres pasionales pero mientras tanto como narradores sensibles de sentimientos. El album acaba con "Il Bimbo Dentro. Esta canción ES TIZIANO como mucha gente le ha conocido, como quien ha aprendido a quererlo. Esta cancion cierra el album pero es mi manifiesto; el conocimiento profundo de una persona pasa a través de diversas etapas de la comprensión y así que he decidido que termine mi trabajo con sus notas, solo para decir: ¡aquí estamos, después de escuchar mis diferentes caracteristicas con las primeras 11 canciones, ahora te doy todo lo que soy, mi más sensible y cerrada parte, mi "bimbo dentro" (niño dentro) !! El dolor me hace daño pero siempre creo en la esperanza. En este lio de emociones todos mis pensamientos se queman en el fuego de la música y las cenizas se convertirán en...canción!
Mi música es ciertamente roja...pero un rojo relativo!"
111:
Después del éxito que logró con su álbum debut, Rojo Relativo, Tiziano Ferro, que irrumpió el año pasado en nuestro país con su single Perdona, vuelve con 111 su segundo trabajo, con el que pretende mantener el status que consiguió con su primer disco, tanto en Hispanoamérica como en el resto de Europa. Por ello, 111 se ha grabado en español, italiano y francés.
"Voy a mantener la misma tónica de la producción anterior, fusionando el R&B con la música italiana, porque fue un gran acierto y además estoy mejorando la música y la voz. El título tiene que ver con un número que ha aparecido muchas veces en mi vida y he compuesto la mayoría de los temas", ha declarado el cantante italiano de 23 años.

EL REGRESO DE UNA GRAN ARTISTA, ANASTACIA

Anastacia Newkirk nació el 17 de septiembre de 1973 en Chicago (Illinois, EE UU), pero se crió en Nueva York. Ya de muy pequeña, Anastacia vivió rodeada de música, su padre era cantante y su madre era una actriz de musicales.
Después de varios empleos como bailarina en el Club MTV y apariciones en numerosos vídeos musicales, su despido como recepcionista en una peluquería de Los Angeles puso a Anastacia en la lista del paro y totalmente desencantada con un negocio, la música, alrededor del cual había estado toda su vida. Anastacia consiguió la oportunidad que estaba esperando después de ser presentada a su manager, quien le consiguió un papel en el programa The Cut, de la MTV.
Tras una actuación, fue ojeada por la gente adecuada y, finalmente, fue contratada por Epic Records. También fue en ese show donde Anastacia conoció a Michael Jackson que la animó a seguir cantando. Esa relación fue clave en su evolución.
Anastacia irrumpió en la escena musical en 1999 con su álbum debut, "Not That Kind", que conquistó a crítica y público con su poderoso registro vocal. Pronto conquistó Europa y aseguró su lugar como una superestrella internacional con ventas de oro, platino y multiplatino en más de media docena de países con ventas que superan los 5 millones de copias.
A todo esto hay que añadir una personalidad exuberante, una destreza vocal que le proporciona categoría y una larga lista de premios, incluyendo el de Mejor Artista Novel Internacional en los Premios Musicales Mundiales del año 2001 y una nominación como Mejor Artista Novel en los Premios Musicales Europeos MTV 2001.
Con cinco platinos además de un estrellato internacional, Anastacia ha actuado en varios shows alrededor del mundo, se reunió con Michael Jackson cuando él la invitó a cantar "What more can I give", junto a Faith Evans, Mariah Carey, N´SYNC y otras estrellas en el histórico concierto benéfico "United We Stand", en Washington DC, el cual fue retransmitido por la Cadena ABC el 1 de noviembre del 2001.
Tras varias colaboraciones, con Elton John, Pavarotti o Vonda Shepard, en Noviembre de 2.001 aparece "Freak of nature", su segundo álbum, con singles como "Paid my dues", "One day in your life".
Hace poco más de un año nos enteramos de la triste noticia de que Anastacia padecía de un cancer de mama. Para consuelo de todos, este año la artista nos ha hecho vibrar de nuevo al subirse a un escenario habiendo vencido ya el cáncer que le supuso la retirada del mundo musical durante un tiempo. Anastacia nos sorprende con su nuevo disco "ANASTACIA", con la producción de Dave Stewart y Glen Ballard.
ANASTACIA vuelve por fin con la pasión, genio, y fuerza que la hicieron vender 10 MILLONES DE DISCOS de sus dos primeros álbums.
El nuevo album “Anastacia” es su mayor desafió musical y personal, fraguado en medio de la lucha contra su cáncer de mama.

"UNDER MY SKIN", EL NUEVO DISCO DE AVRIL LAVIGNE

Después del éxito alcanzado con su disco debut, Let go, Avril Lavigne presenta un segundo disco de estudio, Under my skin.
"He madurado mucho en los dos últimos años", explica Avril Lavigne. "Me han pasado muchas cosas y he aprendido de lo bueno y de lo malo. Las canciones de Under my skin hablan de todo esto, cada una es muy personal, muy íntima". Son 12 nuevas canciones compuestas por Avril Lavigne con la participación especial de la cantante y escritora canadiense Chantal Kreviazuk. "La primera vez que nos reunimos, casi inmediatamente ya teníamos la idea para una canción", dice Lavigne. "Así estuvimos dos semanas y compusimos 12 canciones". Cuando el pasado verano Avril fue a pasar unos días a la casa que Chantal tiene en Malibú (California), ya estaba preparada para grabar su segundo álbum y no perdió el tiempo. Se puso a trabajar en el estudio bajo la producción de Don Gilmore (Linkin Park y Pearl Jam).
La mayoría de las canciones de Under my skin se grabaron en el estudio que Chantal Kreviazuk tiene en su casa californiana. Algunas contaron con la ayuda de Evan Taubenfold, guitarrista de Lavigne, y otra con la colaboración de Ben Moody, guitarrista de Evanescence. "He estado involucrada en todos y en cada uno de los aspectos de este disco", afirma rotunda Avril Lavigne. "Sabía cómo debía sonar la batería, la guitarra, la estructura musical. He entendido todo el proceso mucho mejor que en el primer disco, he aprendido y soy muy perfeccionista con mi música".
Y también es rotunda Avril Lavigne cuando habla de sus nuevas canciones. "Todas significan mucho para mí, pero me encanta Together que trata de una relación que no lleva a nada", afirma. Y continúa: "Who knows o Take me away muestran como soy ahora, mucho más positiva. Forgotten es una canción con piano que muestra mi evolución musical, que soy feliz con lo que hago y que tengo fe en que todo salga bien". En Under my skin, Avril Lavigne también muestra aspectos que antes apenas se percibían. "Soy una romántica empedernida y por eso escribí Don't tell me. No hay que dar todo a cualquier tío".
"Las canciones de Under my skin son mucho más profundas que las del primer álbum", dice Lavigne. "Básicamente, soy una chica a la que le gusta escribir y le gusta el rock, sigo adorando las canciones pop y quiero que la música forme parte de mi vida para siempre".
Aquí va una el track- list de las canciones del nuevo disco de Avril:
1.Take Me Away
2.Together
3.Don't Tell Me
4.He Wasn't
5.How Does It Feel
6.My Happy Ending
7.Nobody's Home
8.Forgotten
9.Who Knows
10.Fall To Pieces
11.Freak Out
12.Slipped Away

Noticia de Avril Lavigne:
La artista canadiense estará el próximo 9 de Julio en el Auditorio Juan Carlos I de Madrid, presentando su segundo disco de estudio.
Como artistas invitados actuarán, ni más ni menos, que Pereza y La 5 Estación.
Entradas ya a la venta en FNAC, Madrid Rock, Tiendas Tipo y El Corte Inglés a 14 euros y a 8 euros en www.planeta.terra.es y www.los40.com.

"REDDO", EL NUEVO DISCO DE SöBER

El cuarteto madrileño ha sacado a la venta su nuevo disco, Reddo, que confirma todas las esperanzas levantadas con sus anteriores trabajos. Después de Paradysso con más de 100000 discos vendidos y una gira exitosa, Söber presenta ahora su nuevo disco rebosante de enérgicas guitarras, melodías envolventes e historias desesperadas. De nuevo ha sido grabado y producido por ellos mismos en sus estudios Cube de Madrid, aunque posteriormente ha sido mezclado en Los Ángeles con Scott Humphrey, que ha trabajado con artistas y grupos tan importantes como Rob Zombie, Bon Jovi, Monster Magnet, Ozzie Osbouerne o Metallica entre otros. También han vuelto a bautizar su disco con un nombre en latín, Reddo, que significa reflejo, igual que el título de una de las canciones del disco que marca todo el concepto del propio álbum, incluso desde esa portada a modo de espejo. “Lo único que pretendemos es que todos nos podamos sentir identificados con las letras de estas canciones y que miremos más adentro de nosotros mismos para ver tanto lo bueno como lo malo que tenemos”.
Las letras y la mayoría de los temas han sido compuestos por su cantante y bajista, Carlos Escobedo. En septiembre, después de la gira, empezaron a ver todo el material que tenían preparado, iniciaron los ensayos de una forma más constante y se metieron en el estudio durante 40 días: un mes y medio trabajando a diario para dejarlo todo tal y como ellos mismos querían. Luego, ya en Los Ángeles, se definió el ambiente definitivo del disco añadiendo algunos efectos y poniendo cada instrumento en su plano sonoro correspondiente.
El disco se abre con "Una hora más", una de las canciones más enérgicas del disco, pero a la vez lo suficientemente moderna y atractiva como para conservar a sus seguidores de siempre sin renunciar a unos bellos arreglos de teclados y a una melodía diferente. Hay mucho sobre las obsesiones de Carlos ante sus recién estrenada paternidad en las líneas de esta canción, y también en “La burbuja de cristal”, toda una pesadilla con una terrorífica incubadora como protagonista. Pero todo, como siempre, con un toque existencialista, que también tiene “Cientos de preguntas”. Si hay una canción que destaca a la primera, esa es “La Nube”.
Pero las turbulentas historias sentimentales de Sôber vuelven a tener su propio espacio en canciones como “El hombre de hielo”, “Lo perdí” o “Penitencia”. Quizás, uno de los momentos más sorprendentes del disco por su desnudez y su sencillez sea “Sólo”: “Como dice su título, esta canción la hice yo sólo. Trata de cuando te sientes realmente sólo aunque estés rodeado de mucha gente. Es el sentimiento de querer echar mano de alguien y ver que alrededor no tienes a nadie”. Puede que algunos piensen en las drogas cuando la escuchen, pero no es el asunto principal de esta canción, aunque es algo que si tratan en otros temas como “12 + 1”, o “Reflejo”. En ambos casos, las historias giran en torno a relaciones madre / hijo, rotas por los excesos y las adicciones.
Con este disco vuelve a quedar claro que la trayectoria de Sôber es imparable. Pocos grupos de nuestro país han demostrado semejante profesionalidad y seriedad en sus planteamientos sin dejar de trabajar para seguir haciendo aún mejor lo que más les gusta.
Celebremos ahora que, en estos tiempos tan duros para el mundo de la música, todavía podamos disfrutar de una banda del nivel de Sôber, que encima cuenta con el apoyo firme e incuestionable del público.

ANTONIO OROZCO. EL PRINCIPIO DEL COMIENZO

El principio del comienzo es el tercer disco de Antonio Orozco, un gladiador de la música que ha sabido forjarse y triunfar en el panorama de la música española con humildad y mucho trabajo, en un momento en el que Operación Triunfo y la piratería han encabezado la lista de los problemas para que artistas noveles o seminoveles tiraran hacia adelante.
Déjame abre un disco hecho con el corazón: "Que por momentos te echo de menos, que sin tus besos no sé vivir". Se trata de un álbum con mucha fuerza en las letras sin dejar atrás las melodías del que empieza a ser conocido sonido Orozco.
Quiero ser es el primer single "Quiero convertirme en vela para iluminar tu mesa de noche... quiero ser el aire que respiras", un buen tema para presentar el disco. El primer sencillo da paso a Es mi soledad, un baladón.
Para su tercer trabajo Antonio Orozco ha contado con sus productores de siempre, Xavi Pérez y Tato Latorre e incorpora a Rafa Sardina (Alejandro Sanz) en las mezclas y al prestigioso Stephan Marcussen (Rolling Stones, Prince) para la masterización.
El disco se grabó el mes de Febrero (2004) entre Tarifa y Barcelona.
"La posibilidad de seguir soñando sigue tan viva como el hecho de que lo estamos, y eso debería ser un desahogo por que son tantas las sensaciones que se pueden llegar a tener de esa forma que no consigo imaginar ninguna otra manera de poder conseguirlo" - Antonio Orozco
El disco sale al mercado en formato Disco libro y Cd estándar. Letra y música de todos los temas, Antonio Orozco.

DESCUBRIENDO A LINKIN PARK

Empezaron en el 1995 o 1996 como un grupo de amigos que tocaban en sus ratos libres. Mike y Brad se conocieron en el instituto y comenzaron con una banda llamada "Xero", a la que después se uniría Rob que era compañero de ambos en la universidad. Después,Mike conoció a Joe cuando iba al Centro Artístico de Diseño en Pasadena (California) y Brad conoció a Phoenix porque compartió piso con él mientras iba a la universidad, también en California.
Al cabo de un tiempo, cuando la banda perdió a su viejo cantante, Mark Wakefield, y Phoenix se fue de gira durante un año con el grupo "Snax" por un compromiso previo con ellos, empezaron a buscar otro cantante para llenar ese vacío. Les dieron cintas con sus grabaciones a todos sus amigos y conocidos para buscar interesados en entrar en el grupo.
Chester y su mujer acababan de comprar una casa en Phoenix, Arizona, cuando un amigo le dio a Chester una de las cintas. Esa misma noche Chester llamó a la banda para decirles que estaba interesado en el puesto. Los miembros de la banda creían que no podrían dar una respuesta tan rápida, pero aun así le pidieron a Chester que pusiera la grabación y cantara sobre ella. A ellos les encantó por lo que Chester entró en la banda, y una vez ocurrió esto comenzaron a grabar. El resultado fue su disco individual titulado EP.
Usando Internet consiguieron darse a conocer y vieron como su música empezaba a tener seguidores. El grupo trabajó duramente para promocionar su disco. El gran cambio para la banda llegó cuando StreetWise Concepts and Culture, una compañía promocional, escuchó algunos temas del disco y apostó por una canción llamada "Plaster" (primera versión de "One step closer") y puso su música en su website como un nuevo grupo con mucha fuerza. Pronto StreetWise recibió grandes cantidades de ofertas de publicidad para la banda y de repente todos se empezaron a interesar por escuchar mas de su música.
Después de actuar en "The Whisky" (Los Ángeles) empezaron a acercarse a firmar un contrato para la Warner Bros Records. Luego serían demandados por tener un nombre aparentemente muy similar al de otro grupo por lo que, para no tener problemas legales, decidieron cambiarse el nombre al actual "Linkin Park", en honor al Parque Lincoln de Santa Mónica.
Tan pronto como firmaron el contrato comenzaron a hacer giras por su país y obtuvieron gran éxito. Se dieron cuenta de que ya contaban con un gran número de fans y de que su música gustaba mucho, por lo que el disco salió con mucho anticipo. En octubre del 2000 su disco de debut "Hybrid Theory" golpeó fuerte las listas de éxitos y desde entonces no han parado.