YO, ROBOT

En 1950, Isaac Asimov, autor que revolucionó la ciencia-ficción, publicaba Yo, Robot, una colección de relatos interdependientes que mostraban la evolución de la máquina hasta devorar al hombre. Mucho después, el guionista Jeff Vintar (Final Fantasy) escribió Hardwired, guión de cara y compleja realización que partía de la premisa de un robot sospechoso de asesinato. Ambos universos se unen en esta ambiciosa superproducción (más de 100 millones de dólares) de la Fox: Siempre quisimos realizar una gran película acerca de la robótica, reconoce el productor John Davis. Y rodar un film basado en los relatos breves de Isaac Asimov había sido el sueño de Alex Proyas desde niño. Y es que el cineasta se recuerda como un auténtico fanático de la ciencia-ficción.
LOS ACTORES. Además de Will Smith, que interpreta al policía que investiga la posible implicación de un robot en el asesinato de un humano, Yo, Robot puede significar la plena consolidación en el universo Hollywood de la guapísima Bridget Moynahan. Ex modelo de 33 años, vista en varios episodios de la serie Sexo en Nueva York y en films como Serendipity, Pánico nuclear o La prueba, Moynahan da vida a una muy racional psicóloga especializada en los robots. Los prefiere a las personas, explica el director Alex Proyas, cree que pueden ser mejores que nosotros. En el reparto también brillan nombres como Bruce Greenwood (El núcleo, Ararat) o James Cromwell (Pánico nuclear, Babe, el cerdito valiente).
LOS EFECTOS ESPECIALES. Yo, Robot da una nueva vuelta de tuerca al uso de la tecnología digital, creando al robot Sonny, un personaje completamente virtual. Desarrollado durante más de dos años por el diseñador de producción Patrick Tatopoulos, Sonny pasó por unos 50 diseños distintos antes de lograr su figura final, con tres características muy definidas: transparencia, una forma casi humana con una estructura muscular única y una cara simétrica. Ahí entró el actor Alan Tudyk (Destino de caballero), para dar vida (al estilo de Andy Serkis y el ya mítico Gollum de El Señor de los Anillos) a Sonny, interpretándole como base para que los responsables de los efectos digitales le sustituyeran. Digital Domain, empresa creada por James Cameron, se encargó de esa parte. Miles de personas de varias empresas de efectos visuales (WETA Digital, Image Engine, Rainmaker y Pixel Magic) se encargaron, durante ocho meses, de la posproducción del film.
EL RODAJE. Siguiendo la sugerencia de Will Smith, una de las incorporaciones clave para redondear en un guión la mezcla de estilos de Asimov y Vintar fue la del oscarizado Akiva Goldsman (Una mente maravillosa), que se encerró en un hotel con los otros guionistas para planificar la película escena a escena.
LA ÉPOCA. Situada en el Chicago del 2035, la película buscaba un toque de realidad cercana. La imaginé dotándola de una sensación de futuro casi documental, cuenta Proyas. Quería apartarme del habitual enfoque teatral del futuro que prevalece en Hollywood, sin coches voladores ni nada de eso... Quería crear un sólido sentido de la realidad de forma que cualquiera pudiese creer que estuviera en un mundo poblado por robots. Hemos logrado una visión creíble y realista del futuro, un avance real y natural de 35 años respecto a nuestro mundo.

PEREZA, LA ÚLTIMA REVELACIÓN DEL PANAROMA MUSICAL ESPAÑOL

No se conocieron en la oscuridad del garito más lúgubre de su ciudad (o sí, quizá); tampoco pueden quejarse de una infancia desgraciada o un pasado negro de drogas duras. Desde luego, ni el padre de Rubén ni tampoco el de Leiva son dueños de una famosa agencia de modelos. Por el momento, claro. El de la guitarrilla, Rubén, se forjó una reputación de roquero indomable con los Buenas Noches Rose, con quienes se recorrió la Piel de Toro y grabó tres estupendos álbumes antes de cumplir los 25. Leiva, el patillas que toca el bajo, venía de patearse garitos con Malahierba. Surgió una actuación más o menos informal, un tributo a Leño, y la extraña pareja necesitaba un batería; aquí es donde entra Tuli, el primer bateria que tuvo la banda. Bautizado a fuego lento como Pereza, el trío se hizo serio cuando RCA les puso la vista encima. Los mediocres se pelean por un contrato; en el caso de Pereza, la industria del disco les hizo un placaje mientras ellos se dejaban querer.
Pereza grabaron un primer disco, autotitulado, con el productor Carlos Martos (ya sabes: Enemigos, Ronaldos, etc.) en 2001. Rubén cantaba y tocaba la guitarra; Leiva le daba al bajo y Tuli a la batería. Luego se fueron a tocar por ahí, como hacen las bandas de rock. Casi siempre eran Pereza, una apisonadora como pocas en directo; no es de extrañar que acabaran cada una de sus actuaciones medio muertos, en trance. Pero algunas veces también eran Despereza o La Banda de los Zapatos Blancos, el grupo que acompañaba al periodista y músico Fernando Martín en sus shows.
En 2002, Tuli se cansó de la batería y abandonó el barco para tocar el clarinete, su otra gran pasión.. Rubén y Leiva, reconvertidos en dúo, se reponían del susto grabando con Patacho (ex Glutamato Ye-Ye, por supuesto) Cuando la luna se durmió, para el disco Fuga de vocales.
A lo largo del año, mientras se gestaba su segundo álbum, Pereza hicieron colaboraciones estelares en el disco solidario Patitos Feos -recordando a La Bruja Avería, de La Bola de Cristal- y grabando una inspiradísima y roquerizada versión de Voy a pasármelo bien para el álbum de homenaje a Hombres G. El propio David Summers, encantado con el trabajo de Rubén y Leiva, decidía bautizar el disco con el título de aquella canción.
El nombre de Pereza comenzó a sonar más fuerte que nunca, generando llamadas a horas intempestivas a los cuarteles generales de RCA. El grupo había alcanzado la madurez y la competencia se interesaba por su cláusula de rescisión, aunque la postura de su discográfica fue tajante, recordando una vez más a Leño: "Que no se vende el rock and roll".
Pereza, mientras, se centraban en lo importante: Algo para cantar, el álbum definitivo. Grabado a lo largo de varios meses, durante largas sesiones de producción con Fernando Montesinos, con las tareas vocales repartidas entre Leiva y Rubén, el segundo disco del grupo sería el dedo en la llaga del rock & pop, la aguja en el pajar, el eslabón perdido de un género injustamente desprestigiado. Porque 245 de las 247 personas que escucharon Algo para cantar antes de su publicación se creen ahora mejores personas, y las otras dos tenían desórdenes afectivos graves, como la gilipollez y otros. De cara a la gira de presentación de Algo para cantar en directo, Rubén y Leiva se hicieron con los servicios de un par de colegas de confianza: Pitu y Rober. El primero, guitarrista de melenaza rubia y Gibson Les Paul, había coincidido con Leiva en Malahierba; el segundo, no menos melenudo y batería de probada solvencia, tocaba con Café Olé y había sido compañero de Rubén en Buenas Noches Rose. Multiplica un disco sencillamente perfecto por un cuarteto roquero como pocos, muy joven pero curtido en mil batallas, y lo que obtienes es justamente a Pereza. Si has sido capaz de leer hasta aquí, tío/a, probablemente entiendas por qué este es el grupo joven más perseguido por la industria musical española.

TODO SOBRE CATWOMAN

Creada en 1940 por Bob Kane y Bill Finger, Catwoman (llamada entonces The Cat, seudónimo de Selina Kaye) debutó en el número 1 de "Batman". En 1987 el guionista de cómics Frank Miller la reinventó en "Batman: Año Uno", donde se convertía en una prostituta ansiosa de venganza.
Tras "Batman vuelve" (Tim Burton, 1992), Catwoman pasó a tener, en 1993, serie propia en los kioscos dibujada por Jim Balent.

Julie Newmar, Eartha Kitt, Lee Meriwether y Michelle Pfeiffer se pusieron en la piel de Catwoman antes que Halle Berry.
Las dos primeras lo hicieron en la serie televisiva de los 60, y Meriwether en el film que se hizo a partir de la misma en 1966, mientras que Pfeiffer se vistió de látex en "Batman vuelve" en 1992.

Halle Berry (para la que se pensó tras Ashley Judd y Nicole Kidman) no solo está rodeada de gatos en el film: Sharon Stone, Benjamin Bratt y Lambert Wilson la acompañan en pantalla. Stone da vida a Laurel Hedare, una empresaria y antigua modelo que se convierte en enemiga de Catwoman. "Disfruté interpretándola porque entiendo el chiste sobre Laurel", cuenta la actriz: "Laurel se doblega ante la presión de la sociedad para mantenerse joven a toda costa". Benjamin Bratt ("La desaparición de Embry") es un policía enamorado de Patience pero que persigue a Catwoman sin saber que son la misma persona, mientras que Lambert Wilson ("Matrix Reloaded") es el marido de Stone en el film y capo de una empresa de productos de belleza que esconde oscuros secretos.

A pesar del esfuerzo de Berry y de la actuación de 43 gatos, la informática fue necesaria para dar realismo a algunas escenas. Así, la secuencia inicial, en la que un gato persigue a un ratón por una ciudad, solo contaba con el actor felino, ya que en realidad perseguía una luz láser que en posproducción se sustituyó por un ratón digital.
El film cuenta con más de 600 efectos visuales, entre los que hay versiones totalmente informatizadas de Halle Berry.

Berry se pasó muchas horas en el gimnasio: "Sabía que iba a ser una tarea enorme, y aunque siempre he hecho ejercicio y estoy en forma, tenía que conseguir un nivel totalmente nuevo para llevar a cabo los retos físicos de este personaje y crear el tipo de cuerpo de Catwoman debería tener". El trabajo dio espectaculares resultados: "Hice yo misma todas las escenas de acción, lo que fue una sorpresa para mí. Pensé: Nunca seré capaz de hacerlo, pero acabé consiguiéndolo. Aprender a restallar el látigo fue lo más divertido. Es la herramienta más escurridiza con la que puedas jugar, pero también la más sexy y divertida. También tuve que aprender capoeira (una mezcla de baile y lucha brasileña), que es lo más difícil del mundo... ¡y además con tacones!"

Lejos del atuendo de Michelle Pfeiffer, que no permitía ver más piel que la de su rostro, el traje que viste Berry es de todo menos tapado. "Estoy muy orgulloso del diseño de vestuario", dice el director del film, Pitof, "ya que muestra mucha piel pero tiene un toque de guerrero". Berry está encantada: "Es muy liberador, eso es lo que más me gustó. Se puede ver la columna, las costillas, y la musculatura sin grasa y nervuda del gato".
El traje, fabricado con una combinación de cuero y un tejido de silicona creado para la ocasión, lo rematan diez garras con puntas de diamante, para las que se usaron casi 800 cristales incrustados en monturas de plata de ley.

Pitof (París, 1954) da el salto a Hollywood con su segundo film, tras "Vidocq" (2001). Su currículum es indisociable del concepto efectos especiales, como ha demostrado en "Delicatessen", "Alien: Resurrección" o "Astérix y Obélix contra César".
El galo se muestra encantado de poder debutar en USA con un film como Catwoman: "Me siento muy privilegiado de que me hayan confiado un proyecto tan apasionante; cuando analizas la historia de Catwoman y a las mujeres que la han interpretado ves que hay un espíritu común entre ellas. Ese espíritu de confianza e individualidad hizo que Catwoman me resultase tan atractiva."

Antes de que "Catwoman" fuera la elegida para dar el salto en solitario a la gran pantalla, el universo Batman (al que no se cita en absoluto en el film, que, para mayor indignación de los fans, no se ambienta en Gotham City) estaba en el punto de mira de Warner Bros., que tenía la intención de producir "Batman Vs. Superman" y "Batman: Year One".
Finalmente ha sido "Catwoman" la elegida, que pronto tendrá compañía con "Batman Begins", de Christopher Nolan, un film que narrará los orígenes del personaje y que protagoniza Christian Bale.

EL REGRESO DE LA NOVIA

Hemos mencionado el tema de los tortazos que se pegan La Novia y Elle Driver (Daryl Hannah), la rubia con un solo ojo que no está dispuesta a dejar de ser la número uno de Bill. Dos amazonas rubias y despampanantes que se lanzan la una sobre la otra en una lucha infinita de verdaderas arpías, tal como lo ha descrito el mismo Tarantino. Según el director, a todo esto se le deben añadir muchos puñetazos, patadas en la entrepierna, piruetas en el aire y... una lucha en el lavabo. Sobre esa pelea te voy a decir algo, explica Uma; soy yo quien tiro de la cadena. Thurman alza la mirada por encima del café y la fija maliciosamente en mí. Te voy a decir una cosa: Elle es mi favorita. Es tan graciosa... Quentin quería que se pareciera a La Novia y que al mismo tiempo fuera su adversaria. Quería una rubia alta. Y la pelea entre dos rubias de más de 1¿80... ¡parece la fantasía sexual de un adolescente!
Si bien Uma admite que la mayor parte del film tiene cierto aire de comedia extravagante, las batallas de este segundo volumen son las escenas más violentas y feroces de las dos entregas. Tarantino se dio cuenta de que no podría superar en grandeza la escena de la Casa de las Hojas Azules (en que La Novia se enfrenta a más de 80 japoneses armados con espadas de samurái), así que se propuso alcanzar una intensidad que complementara la resonancia emocional del Vol. 1, y lo consiguió con el brutal desarrollo que da al salvaje destino de la heroína. Uma lo explica: El Vol. 2 no es tan sanguinario como el primero, aunque podríamos afirmar que es más atroz. En esta entrega sí recibo verdaderos palos, o buenas tundas, como diría mi madre. Guarda cierta similitud con La matanza de Texas (Tobe Hooper, 1974). No es tan salvaje, porque no es una película sobre asesinatos en masa, pero sí da mucho miedo, de una forma casi exagerada.
Además de la gran pelea con Driver, antes de llegar a Bill (David Carradine) La Novia tendrá que vérselas con Budd (Michael Madsen). La lucha con Budd también es extremadamente cruenta, avanza Thurman. Creo que el Vol. 2 es algo más complejo y el argumento está más bien dirigido. Sigue una forma piramidal, es decir, todas las escenas del film acaban desembocando en la batalla contra Bill. También hay más diálogo que en la primera, aunque puede que no sea exactamente lo que la gente imagine. Los diálogos tienen un toque singular, y la película está subtitulada casi en su totalidad, como si fuera extranjera. A veces parece que esté mal doblada, y aparecen frases en pantalla del estilo: ¡Tú, cerdo!, como las que se pueden ver en las pelis dobladas o subtituladas de Hong Kong.
Lo que el destino depara a nuestra heroína es un secreto y, mientras el camarero recoge los restos del desayuno, Uma no se muestra nada dispuesta a revelarnos si La Novia va a salir a cumplir con alguna otra misión más adelante. Quentin Tarantino ha ideado una historia en la que la hija de Cabeza de Cobre (interpretada por Vivica A. Fox), Nikki (Ambrosia Kelley), se propone moler a palos a La Novia. Pase lo que pase, FOTOGRAMAS puede asegurar que la Guerrera de Pelo Amarillo sobrevive al Vol. 2. Tengo algo de guerrera, dice mientras abandonamos el local. ¿Y si volveré a interpretar a La Novia? Ya lo veremos...

MIKE OLDFIELD

Michael Gordon Oldfield nació en Inglaterra (15-V-53). Mike Oldfield (su nombre artístico) no tuvo una infancia fácil, su madre (una irlandesa)era alcohólica y esta condición era difícil de asimilar para aquel joven y tímido chaval, fue entonces cuando encontró en la música su forma de evadirse de aquella hostil realidad. Aprendió a tocar la guitarra viendo a su padre, un doctor que todos los días de Nochebuena les tocaba la única canción que el buen hombre sabía, "Danny Boy", y la tocaba con una guitarra que poseía desde la segunda guerra mundial. Mike aprendería y a los 7 añitos compondría sus primeras melodías. Su hermana Sally (seis años mayor que Mike) tenía una voz privilegiada para la canción y solía ser habitual escucharles a los dos cantando folk. En 1967 (con 13 años) decidió dejar la escuela, y crea un dúo con su hermana Sally, "Sallyangie" con imagen de niños hippys y haciendo música folk tradicional. Él
se encargaba de tocar la guitarra mientras que su hermana Sally ponía la voz.
Mike decide dejar el dúo con su hermana y forma su propio grupo, "Barefeet", un proyecto que no cuajó y a las primeras de cambio se disolvió. Empezó entonces a colaborar tocando el bajo en el grupo "Kevin Ayers & the whole world" que estaba liderado por el ex-Soft Machine Kevin Ayers. Los ambientes en los que se movía el grupo no eran demasiado ortodoxos, bebían mucho y fumaban todo tipo de drogas, pero durante el tiempo que estuvo en el grupo tocando el bajo, aprendió y perfeccionó sus conocimientos musicales. Durante esta época conocería a David Bedford, amigo que le influyó, aconsejó y enseño parte de lo que hoy sabe. En el interior de su mente había inquietud por innovar en la música y un descubrimiento casual le dio la oportunidad de ordenar sus ideas. Descubrió que bloqueando el cabezal de borrado de una grabadora se podía grabar sobre la cinta con un instrumento, rebobinar, y volver a grabar por encima con otro instrumento diferente sin temor a borrar lo anterior, ya que la grabación anterior se mantenía y quedaban superpuestas las dos grabaciones. De esta manera podía emular con largas escalas de composición y varios instrumentos a una orquesta completa y crear su
propio trabajo sinfónico, con la novedad añadida de que no sería música clásica porque utilizaría instrumentos típicos del rock. De esta manera Mike desarrollaría un novedoso estilo musical, el Rock Sinfónico. Ahora quedaba plasmar todas estas ideas en una maqueta y así,
aprovechando los ratos libres que le dejaba su colaboración con The Whole World empezó a grabar en los estudios Abbey Road la maqueta de lo que después sería el "Tubular Bells".

Con la maqueta del Tubular Bells se pateó las compañías discográficas de
Londres para intentar convencer a alguien para que publicara el proyecto,
pero todas las compañías discográficas calificaban a la maqueta como poco
(o nada) comercial. No les interesaba un disco con tan solo 2 canciones de
25 minutos que no sonaba ni a pop, ni a folk, ni a música clásica. Richard
Branson, propietario por aquel entonces de una cadena de tiendas de discos
tenía en mente la creación de un sello, "Virgin Records", y un día y por
pura casualidad conoce a Mike. Branson al escuchar la maqueta quedó
apasionado y decidió darle una oportunidad a aquel
hippy pero tímido chaval. Branson consiguió el permiso para construir el
estudio en The Manor, cerca de Oxford, y allí se metió Mike para grabar,
ahora sí, el Tubular Bells. El disco fue grabado enteramente por Mike
Oldfield (entonces tenía ¡¡19 años!!) que se las arregló para tocar él
solito los 28 instrumentos que se oyen, en 80 grabaciones separadas. Tubular
Bells se publicó en Junio de 1973 y fue un auténtico éxito por su
novedosidad e innovación, y lazó a Mike al estrellato musical. Branson
también se llevó una buena tajada, ya que con un solo disco oficial en el
mercado, Virgin records consigue desbordar su recién inaugurada tesorería
y se convierte en una poderosa compañía discográfica.

Los siguientes 3 discos de Mike no harían más que confirmar la categoría de
prodigio de aquel joven inglés, que con sus obras instrumentales arrasaba
por todo el mundo. Pero todo aquel éxito era demasiado para aquel tímido
joven llamado Mike. Para superar su enfermiza timidez y poder asimilar el
éxito, tomó parte en un seminario mantenido de exégesis, que es una
terapia que acrecienta la autoestima y la confianza en uno mismo. La
terapia causó efecto, Mike ya no era aquel joven tímido, pero se
convirtió (paradójicamente) en engreído y arrogante. Fue entonces cuando
se casó con Diana Fuller en Kensington, que a su vez era la hija del
fundador de la Exégesis. Aquel matrimonio estaba predestinado al fracaso
y un mes después se separaron.
Mike durante este tiempo dio un giro muy grande en su personalidad y ésto se
reflejó en su cambio de imagen, aquel joven hippy se cortó el pelo y se puso
pendiente. Una vez publicado su cuarto disco y perdida la timidez, en 1979
se embarcó en su primera gran gira. Fue una gira espectacular, con 50
músicos sobre el escenario: orquesta sinfónica, grupo de rock y coro. La
experiencia fue muy satisfactoria en lo artístico, pero financieramente fue
un auténtico desastre. Noche tras noche los conciertos eran multitudinarios,
pero no se recaudaba los suficiente como para cubrir los gastos, y Mike
terminó la gira con una deuda de un millón de libras. Estaba arruinado.

Para pagar las deudas decide cambiar el formato de sus discos. Sus
primeros 4 discos eran auténticas obras instrumentales, y se hizo famoso por
los formatos de las mismas; sus discos sólo tenían dos canciones, una por
cada cara del disco, por lo que eran canciones larguísimas y de una gran
complejidad interpretativa. A partir de ahora alternará temas instrumentales
y canciones más comerciales (de corte pop). Estas canciones pop serán de
menor complejidad interpretativa pero llegarán mejor al público en general,
y así recaudar fondos con el objetivo de salir de su crisis financiera.
Un claro ejemplo es Crises, disco que salió en el año 1983 y donde se encuentra
encuentra la canción "Moonlight Shadow", que al mismo tiempo de conseguirle
el reconocimiento del gran público y consagrarle como artista, le traería
problemas de cara al futuro con su discográfica de toda la vida; Virgin.

Virgin viendo el éxito de Moonlight Shadow le pedirá más temas pop
(comerciales) en sus discos y le presiona para que al menos publique un
disco al año. Mike no está dispuesto a sentirse presionado a la hora de
publicar los discos, él necesita libertad para crear, y tampoco está
dispuesto a dejar de escribir temas instrumentales porque, según sus
palabras, son una necesidad para él, son temas que necesita crear para
conseguir su propia satisfacción personal. Para solucionar el problema,
llegan a un acuerdo; alternar discos comerciales e instrumentales. En
1989 Mike publica "Earth Moving", un disco íntegramente compuesto de
canciones pop, y por lo tanto el siguiente disco será instrumental. En 1990 publica
"Amarok", completamente instrumental, al estilo de sus primeros discos; El
disco está compuesto por un sólo tema que dura 60 minutos, en el que Mike
toca más de 50 instrumentos diferentes. Richard Branson le pide que
le ponga el título de "Tubular Bells 2" ya que son conscientes de la grandiosa
calidad del disco y de que la repercusión con éste título sería mucho mayor,
(y de paso volver a echar mano al filón 17 años después). ¡Mike se niega!.
Virgin, dando un golpe barrio bajero se desentendió completamente del disco
y no quiso promocionarlo, por lo que una obra maestra como "Amarok" pasó
completamente desapercibida para el público y comercialmente fue un fiasco.
Esta sería la gota que colma el baso. Mike indignado y harto de las trifulcas
con Virgin y del comportamiento de Richard Branson, se despide de Virgin y
ficha por la prestigiosa Wea (Warner) que le daría libertad absoluta en sus
creaciones.

Su primer disco en su nueva casa discográfica llevará el titulo que durante
tanto tiempo le pidió su antiguo jefe Richard Branson, el "Tubular Bells 2",
que es una brillante actualización del original Tubular Bells del 73. Virgin
intentando sacar la última tajada del genio que les deja inundará el mercado
con recopilaciones llenas de viejas canciones de Mike, porque al fin al cabo,
Virgin tiene los derechos de sus primeros 14 discos y quiere maximizar la
rentabilidad de su ahora extinta relación profesional con Mike. Durante los
siguientes años de la contratación por la Wea, Mike cambiará varias veces de
compañera sentimental, y eso se nota en la
variedad de estilos de sus últimos discos, en los que se recrea con los más
modernos sintetizadores, se empapa de música tradicional celta, conoce la
alocada vida de Ibiza (sin comentarios), y finalmente vuelve a sus inicios
como virtuoso guitarrista.

EVANESCENCE

La historia de Evanescence comenzó a cuajarse en Little Rock, Arkansas, cuando el joven guitarrista Ben Moody y la cantante Amy Lee se conocieron en un campamento de adolescentes al que ambos habían acudido. Fué este quien le propuso a Amy Lee formar un grupo.
Empezaron a componer canciones de forma conjunta, como "Solitude", "Understanding", y "Give unto me". Evanescence comenzó a darse a conocer cuando una emisora local de radio comenzó a emitir sus canciones. A medida que su popularidad crecía, se les ofreció la posibilidad de tocar en directo, con la ayuda de Will Boyd, John Lecomp y Rocky Gray. A raiz de su primer concierto en 1998, grabaron su primer sencillo, con una tirada de 100 ejemplares, que se agotaron prácticamente al momento, gracias a la incipiente popularidad del grupo. El título de este primer sencillo era, precisamente, "Evanescence".
En Noviembre de 2000, editaron su primer álbum, "Origin", gracias al apoyo de una discográfica local. Las 5000 copias iniciales se agotaron en pocos días y hubo que sacar una nueva tirada.
Tras fichar por la discográfica Wind-up, editan su segundo álbum, "Fallen". El tema principal del disco, "Bring me to Life", fue interpretado para la ocasión a duo por Amy Lee y el cantante de "12 Stones", Paul McCoy. El tema resultó un gran éxito entre los fans y el álbum alcanzó el quinto puesto en la lista Billboard. Evanescence ha colaborado también con dos temas en la banda sonora de la película "Daredevil".

ESPECIAL SPIDERMAN

Con el regreso de la aventuras del Hombre Araña y su particular lucha contra los malvados villanos, aprovechamos la ocasión para hacer un repaso a todos los detalles de la primera y la segunda parte.
"Spider-Man" (2002) marcó un antes y un después en el cine de superhéroes. El mismo equipo, capitaneado por Sam Raimi, volvió a reunirse para dar continuidad a las aventuras del Hombre Araña, el más popular de los personajes creados por Stan Lee en la factoría Marvel. Ahora llega acompañado de un villano excepcional: el impresionante Dr. Octopus y sus mortíferos tentáculos metálicos.

SPIDERMAN
Peter Parker (Tobey Maguire) es un adolescente tímido, miope, buen estudiante, con poca suerte con las chicas... Pero todo eso cambia cuando, en un laboratorio, una araña mutada genéticamente le pica. A partir de ahí descubrirá que puede lanzar telarañas desde sus muñecas, hacer saltos imposibles o subir al rascacielos más alto trepando por la pared. Tras la trágica muerte de su tío Ben (Cliff Robertson) y ya como Spider-Man, sus poderes le servirán para enfrentarse al Duende Verde (Willem Dafoe), un científico que, tras experimentar con él mismo, se vuelve tan superpoderoso como malvado. Entre pelea y pelea, Spider-Man tendrá tiempo de enamorarse (y enamorar) a Mary Jane (Kirsten Dunst).
No eran pocos los directores dispuestos a convertir en actor a Spidey. Desde que hace lustros lo pretendieran Roger Corman o Tobe Hooper, en los últimos años se añadieron los nombres de Tim Burton, Chris Columbus, David Fincher o James Cameron, que antes de los litigios estuvo muy cerca de poder gritar ¡acción! Pero, sorpresa, Spidey acabó actuando para Sam Raimi. Nunca vi mi nombre en la lista, admite el director de Posesión infernal, así que pensé: Cagada. No creí que me diesen una oportunidad, ya que soy conocido por otro tipo de films, más pequeños y más extraños. Raimi, lector ávido de los cómics, tenía muy claro lo que quería conseguir: Que el público se enganche al film por las interpretaciones. Es un personaje muy importante, y no quiero extralimitarme con un estilo visual llamativo. No quiero entrometerme entre el público y el personaje al que aman. Hablando del personaje... ¿cómo llegó Tobey Maguire, un tipo de físico tan rematadamente normal, a convertirse en un superhéroe hipercachas? Cualquier palabra menos facil sirve para explicarlo.
Sam Raimi se ha tomado unas pequeñas licencias respecto al cómic que han puesto a los fans del trepamuros en estado de alerta. El más significativo es que Spidey ya no fabrica su fluido arácnido en su casa ni lo lanza desde un propulsor, sino que le emana directamente de su muñeca. Que un chico que va a la escuela pueda fabricar un adhesivo que ni la mejor empresa del sector puede conseguir, razona Raimi, era demasiado fantástico incluso para él. La idea fue de James Cameron, que debió pensar: Si vamos a mutarlo en araña, hagámoslo con todas las consecuencias. Me pareció una buena idea. Otro cambio es que la araña que pica a Peter Parker no es radioactiva, como imaginó Stan Lee, sino mutada genéticamente (y más concretamente de la especie steatoda, pariente lejana y no letal de la viuda negra). Tampoco veremos en pantalla la señal de Spider-Man, porque, como dice Raimi, eso le da cierta superioridad, y Spidey necesita todo el factor sorpresa. El Duende Verde no es exactamente igual que el de papel: sus facciones, que en los cómics varían según su estado de ánimo, son inalterables en el film.

SPIDERMAN 2
Dos años han pasado desde que Peter Parker (Tobey Maguire) aprobara con sobresaliente sus recién adquiridos poderes. Todavía no se ha acostumbrado a su doble vida de fotógrafo y superhéroe, debe afrontar toda clase de problemas personales y además, la chica, Mary Jane (Kirsten Dunst), sigue fuera de su alcance. Pero deberá aparcar sus crisis existenciales para hacer frente a un problema mucho mayor. Y con tentáculos: el Dr. Octopus (Alfred Molina).
SPIDER-MAN EN 5 CLAVES
1. Equipo de guionistas. El guionista David Koepp es de los pocos que no repite. Raimi contrató a Miles Millar y Alfred Gough, creadores de la serie Smalville, en la que se narran los años mozos de Superman, pero también contó con Michael Chabon, ganador del Premio Pulitzer por Las asombrosas aventuras de Kavalier y Clay (Mondadori), una novela que él mismo ha adaptado para la pantalla (dirigirá Stephen Daldry, el realizador de Las horas) y que narra la vida de dos dibujantes de cómics en el Nueva York de los años 40.
2. Nueva York. Spider-Man ya nos ofreció vertiginosas vistas de Manhattan, pero Spider-Man 2 redobla también en este sentido. No es un Nueva York absolutamente real, sino más bien un tipo de ciudad de fantasía, explica Raimi. Tuvimos acceso a localizaciones muy inusuales. Escogimos rincones que darán una visión de la ciudad muy diferente a la que estamos acostumbrados. La famosa SpyderCam, una cámara especialmente diseñada por Earl Wiggins para seguir de cerca los saltos del Hombre Araña, volvió a ser imprescindible para realizar sobrecogedoras tomas partiendo de localizaciones de hasta 700 metros de altura. Como dice el coproductor Grant Curtis, los tejados son el mundo de Spider-Man y esa es su visión de la ciudad cuando se balancea por ella.
3. Los tentáculos del Dr. Octopus. Mezcla de carne y metal, como los enajenados protagonistas de películas enfermas como Crash (David Cronenberg, 1996) o Tetsuo (Shinya Tsukamoto, 1988), el Dr. Octopus tiene cuatro tentáculos de acero incrustados en la espalda, que Alfred Molina ha bautizado cariñosamente con los nombres de Mo, Flo, Harry y Larry.
4. El traje. Diseñado por el oscarizado James Acheson, aparece casi imperceptiblemente modificado. El tono es más oscuro y el logo de la araña ha sido rediseñado. Según Raimi, tiene una línea más elegante y más suelta, aportándole una mayor armonía.
5. Stan Lee. De su plumilla a sueldo de Marvel surgieron superhéroes que ya son de celuloide como La Masa (Hulk), La Patrulla-X (X-Men) o Daredevil (Daredevil), pero hay más. Con Spider-Man para largo, también se han anunciado proyectos ¿con estreno previsto para el 2005¿ en torno a otros personajes de Lee como El Hombre de Hierro o Los 4 Fantásticos.

FAHRENHEIT 9/11 ENCABEZA TAQUILLAS DE CINE EN EEUU

El polémico documental de Michael Moore "Fahrenheit 9/11" se llevó 21,8 millones de dólares en tres días, para convertirse en el primer documental en la historia en debutar como la película más recaudadora en un fin de semana en Estados Unidos y Canadá.
Si los estimados del domingo son confirmados el lunes, "Fahrenheit 9/11" establecería un récord en un fin de semana como el documental más recaudador en la historia, sin contar películas de conciertos ni documentales hechos especialmente para el formato IMAX.
"Bowling for Columbine", el documental de Moore que ganó el Oscar en el 2002, tenía el récord previo, con 21,6 millones.
"Fahrenheit 9/11", la mordaz crítica de Moore a las acciones del presidente George W. Bush tras los ataques terroristas del 11 de septiembre del 2001, ganó los máximos honores el mes pasado en el Festival de Cannes, y ha atraído la atención de ambos bandos en la campaña presidencial.
La cinta ha sido saludada por grupos de izquierda, que movilizaron a sus miembros para verla el fin de semana. Grupos conservadores, en contraste, trataron de presionar a los dueños de salas de cine para que no la proyectasen y pidieron a la Comisión Federal Electoral que examine sus anuncios por violaciones potenciales de las regulaciones de campaña.
La comedia de los hermanos Wayans "White Chicks", acerca de dos agentes negros del FBI que se hacen pasar por dos jovenes blancas ricas, abrió en segundo lugar, con 19,6 millones para el fin de semana. En tercer lugar estuvo "Dodgeball: A True Underdog Story", que colectó 18,5 millones.

EL POETA QUE AMABA TANTAS COSAS

Neruda en el corazón es un proyecto que nace del centenario de Pablo Neruda y que trata de acercarse musicalmente al poeta más grande del siglo pasado; aceptando de antemano que un poeta tan extraordinario y tan torrencial –4.000 páginas escritas-, la mayor parte poesía, es difícilmente resumible en un CD o un DVD.
De Pablo Neruda se han editado miles de ediciones en diferentes idiomas –solamente en EEUU, 58 antologías- miles de ensayos; pero por encima de todo, Neruda, siempre fue un poeta enormemente popular, que sin abandonar nunca su vertiente lírica, amorosa, se ocupó al tiempo de todos los asuntos terrenales...Puede cantar al caldillo de congrio o a la flor más diminuta que crece en Los Andes, sin dejar de recordar a prisioneros, perseguidos o solitarios.
Él se consideraba un poeta de utilidad pública. Es el Picasso de la poesía porque abarca todo. Nada le era ajeno. Se definió a sí mismo como un hombre de papel. Si no tenía un papel frente a él para escribir, se sentía abandonado. Si a los veinte años publica “Veinte poemas de amor y una canción desesperada” al final de su andadura está escribiendo “Invitación al nixonicidio y otros poemas”. Hoy, estaría escribiendo probablemente “Invitación al bushinicidio y otros poemas”. Poeta de guardia, en el amor y en la vida. Poeta a tiempo completo, volcánico, torrencial, imprescindible.
Federico García Lorca le definió con estas palabras: “un poeta más cerca de la muerte que de la filosofía; más cerca del dolor que de la inteligencia; más cerca de la sangre que de la tinta. Un poeta lleno de voces misteriosas que afortunadamente él mismo, no sabe descifrar; un hombre verdadero que ya sabe que el junco y la golondrina son más eternos que la mejilla dura de la estatua”.
Neruda existirá aún después de que desaparezca la música grabada, la letra impresa o los estúpidos viajes a la Luna.
Se invitó a participar en este proyecto a diferentes autores, músicos, intérpretes de la tella de:
Adriana Varela - Me gustas cuando callas

Ana Belén - Tonada de Manuel Rodríguez

Antonio Vega – No te quiero sino porque te quiero

Carmen París - Para que tú me oigas

Enrique Morente - ¿Quiénes se amaron como nosotros?

Joan Manuel Serrat - Puedo escribir los versos más tristes...

Joaquin Sabina - Amo el amor de los marineros

Jorge Drexler – El monte y el río

Julieta Venegas - A callarse

Lucio Dalla - Mia bruta (mi fea)

Miguel Bosé - Walking around

Miguel Poveda - Te peina el viento los cabellos

Miguel Rios - Oda a la tristeza

Pablo milanés - Para mi corazón basta tu pecho

Pedro Guerra - Antes de amarte

Sole Giménez - Casa

Vicente Amigo con Montse Cortés – Oda a la guitarra

Víctor Manuel - Plenos Poderes

Cada uno ha trabajado con sus propios equipos y se ha grabado este trabajo en Madrid, Córdoba, Valencia, Barcelona, La Habana, Buenos Aires, Bolonia y Miami. Neruda en el corazón (CD + DVD) se publicó el pasado 28 de Junio y promete ser el éxito poético del verano. Por otra parte, la Fundación Autor editará un disco-libro .El libro está escrito en España por Pablo Neruda en 1936-1937 y se titula: España en el corazón.
El DVD se titula El Poeta que amaba tantas cosas.
Es un recorrido por la vida y obra del poeta glosada por sus amigos como Rafael Alberti; o Rafita, su carpintero de cabecera o el pescador de Isla Negra que le traía sus pescados. Desde el primer Neruda que le escribe “Veinte poemas de amor” para Ernestina Azócar al que dedica “Los versos del capitán” a Matilde Urrutia. Un recorrido por el interior y las colecciones de su casa en Isla Negra.

EL FOLKLORE DE NELLY FURTADO

Esta joven canadiense, hija de padres de origen portugués, hace uso de su mezcla de culturas en sus letras y en su peculiar estilo en sus canciones. Plasmando en su música unos ritmos casi latinos como nos presenta con canciones como Powerless, primer single de su nuevo disco, titulado "Folklore". En una de las versiones de esta canción podemos volver a oírla junto con el colombiano Juanes, con el que ya colaboró en la canción "Fotografía", la cual tuvo mucho éxito sobre todo en el mercado latino.
Es a sus 18 añitos cuando se presenta a un concurso de jovenes talentos en Toronto, y es allí donde encuentra a su actual manager. Nelly influenciada por grupos como Digable Planets o PM Dawn, e incluso las TLC avivaron su interés por la música y el descubrir muchos más grupos como Radiohead, Oasis...
Esta chica que tocaba el trombón en la banda de la escuela y que imitaba a la mísmisima Janet Jackson, sacó al mercado en 1999 "Whoa, Nelly". Disco que tuvo su reconocimiento con el Grammy que en el 2002 recibió.
Ahora vuelve con su nuevo disco tras su gran revelación. La compositora y artista explica el nombre de su nuevo disco: "La palabra Folklore se relaciona con cosas mágicas y místicas, y a mí me gusta eso. Pero más allá de eso, yo pienso que Folklore se relaciona con la creencia en los orígenes. Básicamente son las historias de la gente. Todo el mundo alrededor del planeta tiene su propio Folklore. Puede ser claro, puede ser oscuro…”
Tras las palabras de la guapa canadiense de ojos azules, podemos ir más allá cuando oigamos canciones como "Try" además de su primer single “Powerless (Say What You Want)”, tema en el que podemos apreciar unas guitarras con aire portugués, la canción está escrita por ella misma y vuelve a sus raíces de hip-hop.
La joven cantante de 25 años, ha podido trabajar ya en su corta pero ascendente carrera con artistas de la talla de Missy Elliot, Juanes o los raperos Jurassic 5.
Así que esperemos que este nuevo disco le siga proporcionando el éxito que esta joven compositora y cantante se merece.

ESPECIAL LA GUERRA DE LAS GALAXIAS

LA GUERRA DE LAS GALAXIAS. UNA NUEVA ESPERANZA(1977)
Desde Tattoine, el árido planeta en el que habita, Luke Skywalker (Mark Hamill) se lanza a una colosal aventura intergaláctica en busca de la princesa Leia (Carrie Fisher) del planeta Alderaan, secuestrada por las tropas imperiales al mando de Darth Vader (Dave Prowse).
Antes del secuestro, la princesa ha tenido tiempo de grabar los planos de la Estrella de la Muerte (una estación espacial diseñada para la destrucción de los planetas rebeldes) en la memoria del robot R2-D2. Éste, acompañado del androide C3-PO, aterriza en el planeta Tattoine. Tras una serie de desventuras, se unen al joven y valiente Skywalker, secundado por Obi-Wan Kenobi (Alec Guiness), el último de los caballeros Jedi, los guardianes de la paz y la justicia antes de que llegaran los tiempos sombríos a la galaxia.
Obi-Wan y Luke parten en busca de la princesa. Para ello contarán con la inestimable ayuda de Han Solo (Harrison Ford) y su mascota, Chewbacca, quienes a bordo del Halcón Milenario se embarcarán camino de la Estrella de la Muerte. Una vez allí, el destino de la galaxia estará en sus manos.
EL IMPERIO CONTRAATACA(1980)
Tras la destrucción de la Estrella de la Muerte, los rebeldes creen haber acabado con las Fuerzas del Mal, que comanda Darh Vader (Anthony Daniels). Sin embargo, éste logra reunir su flota imperial y planea un nuevo ataque que le devuelva el control de la galaxia. Su objetivo es el cuartel general de los rebeldes en Toth, el planeta del hielo. Allí se encuentran la princesa Leia (Carrie Fisher) y sus dos amigos, Han Solo (Harrison Ford) y Luke Skywalker (Mark Hamill), junto con toda la flota rebelde.
EL RETORNO DEL JEDI(1982)
Tras rescatar a un congelado y moribundo Han Solo (Harrison Ford), la princesa Leia (Carrie Fisher), el comandante Luke Skywalker (Mark Hammill), Chewbacca, Lando Calrissian y los androides C-3 PO y R2-D2 se reincorporan a las tropas rebeldes.
Por primera vez en la historia, todas las naves de guerra de estos rebeldes están reagrupadas en una sola y, al parecer, invencible Armada Gigante.
Mientras que el grupo de combatientes se adentra en la Luna de Endor, donde encontrarán el apoyo de los fieles Ewoks para poder controlar las instalaciones imperiales, el joven Luke Skywalker tiene que enfrentarse a su eterno rival, el malvado Darth Vader y su muy poderoso Emperador, ansiosos de atraer a Luke al lado oscuro de la Fuerza.
Pero lo que no saben los rebeldes es que el Emperador ha ordenado la construcción de una nueva Estrella de la Muerte mil veces más poderosa que la anterior, con la que el Imperio Galáctico pretende imponer en toda la galaxia y para siempre su oscuro y maléfico poder. La batalla final va a comenzar.
EPISODIO I: LA AMENAZA FANTASMA(1999)
La República Galáctica está sumida en el caos. Los impuestos de las rutas comerciales a los sistemas estelares están en disputa. Esperando resolver el asunto con un bloqueo militar, la codiciosa Federación del Comercio ha detenido todos los envíos al pequeño planeta Nabooo.
Mientras el Congreso de la República debate estos acontecimientos, el Canciller Supremo ha enviado en secreto a dos caballeros Jedi, guardianes de la paz en la galaxia, para resolver el conflicto.
La Reina Amidala (Natalie Portman) es la monarca del pacífico planeta Nabooo, ahora acosado por el bloqueo de la Federación. Ella huirá junto a Qui Gon Jim (Liam Neeson), caballero Jedi, y su discípulo, Obi-Wan Kenobi (Ewan McGregor), en busca de la tan necesaria ayuda.
Durante la misión se toparán con Jar Jar Binks, miembro de una tribu de anfibios que reside en el fondo del océano Nabooo, y encontrarán a un niño con enorme poder, Anakin Skywalker (Jake Lloyd).
EPISODIO II: EL ATAQUE DE LOS CLONES(2002)
Los disturbios rodean a la república galáctica. Se está peleando contra el cobro de impuestos sobre rutas comerciales a sistemas solares exteriores.
Esperando resolver el problema con un bloqueo de naves guerreras, la codiciosa Federación de Comercio ha detenido todos los cargamentos dirigidos hacia el pequeño planeta Naboo.
Mientras el Congreso de la República se sume en debates interminables sobre esta alarmante situación, el Supremo Canciller
ha mandando secretamente a dos Caballeros Jedi, guardianes de la paz y la justicia en la galaxia, para que resuelvan el conflicto.

KILL BILL, LA GRAN SENSACIÓN DE QUENTIN TARANTINO

En esta compleja obra de dos entregas, Tarantino no se presenta redundante en si mismo, sino que intenta con "Kill Bill Vol. 2" realizar un film capaz de ser definido como la antípoda cinematográfica de su predecesora, donde se mostraba un merecido homenaje cinematográfico a cintas de acción del cine asiático de la década del 70. Habrá de sumarse al fantástico progreso de la saga, un clásico desarrollo argumental en el transcurso de la película, permitiendo contemplar a "Kill Bill Vol. 2" como un Spaghetti Western. De esta manera, se le brinda al film la oportunidad de pasearse por una soberbia e intensa intertextualidad referida al cine en sí mismo, ya que este subgénero fue el que influenció determinantemente la estética de las películas de Hong Kong que tanto admira Tarantino, y que habrían de nutrir la totalidad de "Kill Bill Vol. 1". En el volumen 2, las permanentes citas cinematográficas de su discurso y su factura estética presentarán a "la Novia" como la chica mala, o la antiheroina de la primera entrega, pero rodeándose ahora de un encanto "Noir", evocativo a cierto aire de "Mujer Fatal" del cine clásico de Hollywood, propio de Lana Turner, en una escena presentada en blanco y negro, que marca una asociación más que directa al clásico "El Cartero llama dos veces". Hay en el film una nostalgia permanente dirigida a la cinefilia del espectador, la cual se hace presente en un momento muy particular de la película, en el capítulo llamado "La tumba de Paula Shultz" que evocará de modo más que directo al film "The wicked dreams of Paula Schulz".
REPARTO
De cuánta vacilación y conjeturas se vio rodeado el esperado regreso de Quentin Tarantino a la pantalla grande; incertidumbres tales como que su talento y fórmulas se había agotado; que fue un signo masificado de los 90, o incluso que era una moda pasajera. Críticos de poca monta se engalanaban al manifestar como pretérita la cinematografía del frenético chico de la tienda de vídeos, convertido en director, que ve canalizada su ira reprimida en sus violentas y excéntricas criaturas de papel o celuloide; fundamentos vacíos de una postura que transmite snobismo para seducir en cualquier cóctel literario o cultural. Es en esta oportunidad que Tarantino, se permite dentro del film, una travesura dirigida a los sentidos del espectador, dando lugar a beneficiarse de la oscuridad de la sala de cine para establecer en ella una aterradora sensación, sin imagen alguna en la pantalla y con diferentes niveles de sonido, que combinan en una experiencia insuperable. Algo propio de un genio.
Es habitual a lo largo de la filmografía de Quentin Tarantino, reconocerlo capaz de rescatar del olvido a un ídolo de antaño para homenajearlo, colocándolo gallardo en un lugar preferencial del film. Uma Thurman será siempre recordada como la encantadora musa perpetuada en la filmografía de Tarantino; donde el chico de los films ultra violentos habrá de crear una "Novia" a su medida. Thurman será "la Novia", esa samurai supersexy del nuevo milenio que habrá de pasearse literalmente por el mundo en busca de su merecida venganza. Tanta es la belleza de Uma Thurman que Tarantino, grabó cada centímetro de ella, incluso sus pies, casi desnudos, que tendrán su momento de gloria en el primer film. No sólo a Carradine es a quien el propio Tarantino rescata del olvido, sino también, a un icono sexual de los 80, como fue la impresionante rubia Daril Hannah. Michael Madsen, pondrá al servicio de su amigo Tarantino, a un villano algo melancólico, lleno de compases que lo definen como un personaje complejo, y que es agradable para todos. Budd (Madsen) se demuestra como un despojo de aquel temido hermano de Bill, y diestro asesino. Hoy se ve (o quiere hacerse ver) como un hombre acabado que trabaja en un club de Strippers y es continuamente degradado por su jefe, pero todo no es lo que parece y hay cierta filosofía y grandeza sobrentendida en el pobre Budd.
ARGUMENTO
En esta entrega el film indagará en los silencios forzados y fuera de campo incluidos adrede en la entrega anterior, estos serán expuestos ahora como las causas y motivos que dieron lugar a "la masacre de la pequeña capilla" donde "la Novia" recibió un balazo en la cabeza por parte de su mentor, suceso que ejercía como introducción a la primera entrega, y al relato en general. "La Novia", aquella mujer que nos remite a sinónimo de violencia, es una joven feliz y rebosante de alegría junto con sus amigas y un joven bonachón y simplón con el que está a punto de casarse. Los preparativos nupciales se desarrollan entre una Novia bromista en complicidad de amigas; un acartonado Reverendo y un obstinado pianista de bodas (interpretado por Samuel Jackson) que permite a Tarantino darse el lujo de fundamentar su opinión critica basada en su sabiduría musical de las bandas de Blues típicas de los Estados Unidos. Llegarán hasta ese recóndito lugar los fantásticos y encantadores emisarios de la muerte, liderados por Bill (un fascinante David Carradine), definido en esta entrega como un enigmático y complejo personaje, que mas allá de ser un encantador villano, despierta una notoria y muy particular empatía en el espectador. La banda de Asesinos Deadly Viper Assassination Squad "DVAS" (pronunciado como Divas), tal vez sean el mayor homenaje que el realizador dedique a las deidades del cine contemporáneo (Hanna, Liu, Fox) por su original e increíble belleza. Desde hace ya mucho tiempo, el modelo de chica Tarantino es una marca registrada en el cine, que marca tendencia a futuro. Así pues, la primera primera entrega fue el contexto donde la cólera y la sed de venganza de "la Novia" desatarían un lascivo ritual con una deliberada carga de entretenimiento y sadismo explícito en la aniquilación de O-ren-ISHi y Vernita Green. En esta segundo episodio, "la Novia" deberá atemperar su carácter, no sólo para seguir adelante, sino para definirse como personaje, saliendo de ese frenesí de ciega venganza. Será, en este volumen 2, la permanente cita cinematográfica lo que defina el camino de "la Novia", desde el recuerdo de un cruento tutelaje, impartido por un personaje icono de la filmografía China como Pai-Mei (Gordon Liu), hasta los encuentros con Budd y la morbosa Elle Driver, lo cual habrá de terminar en enfrentamientos memorables de una heterogénea concepción que remite a los Spaghetti Western de Sergio Leone.

Superagente Cody Banks 2: Destino Londres

El jovencísimo agente Cody Banks (Frankie Muniz) es toda una celebridad en la CIA, sobre todo después de haber salvado al mundo en su anterior aventura. Pero ahora tiene una misión muy complicada: un más que astuto agente de la CIA que además es el propio instructor de Cody ha robado al Gobierno de los Estados Unidos un dispositivo de control mental de alto secreto. Este robo puede poner la seguridad mundial en peligro, y por eso el joven agente tiene que viajar de incógnito a Londres, con la misión de traer el dispositivo de vuelta a su país. Así que Cody se ve obligado a hacerse pasar por un estudiante de una prestigiosa escuela de música, aunque deberá vigilar, ya que sus compañeros de internado no deben descubrir de quién se trata en realidad. Así que mientras toca el clarinete en la escuela, se infiltra en guaridas secretas, y sigue la pista al sospechoso. Para echarle una mano en la misión, Cody recibirá la ayuda de Derek (Anthony Anderson), un agente que ha sido reprobado por la CIA, y que intenta ganarse de nuevo su puesto en la Agencia de Inteligencia. Derek se hará pasar por cocinero del colegio, aunque lo cierto es que no tiene ni idea de cocinar. En sus pesquisas, Cody encontrará también la inestimable ayuda de otra joven estudiante, Emily (Hannah Spearritt), que en realidad es su equivalente en el Servicio Secreto Británico. Juntos y con la ayuda de diversos artilugios y sus habilidades en las artes marciales, intentarán recuperar el dispositivo. Aunque Cody deberá enfrentarse al hombre que, en definitiva, le enseñó todo lo que sabe en el noble arte de los agentes secretos.

PINK

La cantante Pink nació en 1979 y es hija de de un veterano del Vietnam que le inculcó el amor a la música. Su verdadero nombre es Alicia Moore y tomó el nombre artístico de Pink después de ver la película Reservoir Dogs, teniendo como referencia el papel de Mr Pink que interpretaba Steve Buscemi.
Su infancia se desarrolló en Filadelfia, y la pasó escuchando a Janis Joplin, Jimi Hendrix, Nirvana, Guns N' Roses, Green Day y otros grupos. Comenzó cantando en un coro de gospel, aunque pronto cambiaría de estilo, uniéndose a un grupo punk.
Colaboró haciendo colos en la banda de rap Scratch N' Smoove y pasó por varios grupos de R&B hasta que consiguió firmar su primer contrato a los 16 años con el sello LaFace. Poco después empezaría su carrera en solitario.
Su primer álbum fue "Can't Take Me Home", publicado en el 2000, y le supuso el salto a la fama, consiguiendo un doble disco de platino y tres sencillos en la lista de los Top 10 en Estados Unidos. Pink participó también en el video de "Lady Marmelade" de la BSO de Moulin Rouge, junto a Christina Aguilera, Mya y Lil Kim.
En su segundo álbum, titulado "Missundaztood", el estilo de Pink se acerca más al rock, contando con colaboraciones de la talla de Steve Tyler, líder de Aerosmith, con el que interpreta el tema "Misery".
En noviembre del 2003 nos presentó su tercer trabajo, "Try This", con el que a buen seguro volverá a satisfacer a sus incondicionales fans, convertida ya en una de las voces imprescindibles del rock a nivel mundial.

HIM

Ville Hermanni Valo comenzó trabajando detrás de un mostrado en el Sex-Shop de su padre. Era un chico con cara de ángel y sonrisa de demonio que tenia un sueño. Harto de la música que le rodeaba, falta de imaginación y sentimientos, quería encontrar algo que pudiera conmover y llevar a la gente al borde de las lágrimas.
Y en el verano de 1995, hizo realidad su sueño formando en la gélida Finlandia el conjunto conocido como HIM (siglas de: His Infernal Majesty, Su Infernal Majestad), capaz de mezclar glamour y oscuridad en un equilibrio perfecto. Era una reunión de viejos amigos que compartían su visión de aquel tipo de música que Ville denominó love metal, a medio camino entre Depeche Mode y Dimmu Borgir; aunque a él le gusta volver locos a los críticos musicales diciendo que su estilo es blues escandinavo, y hasta ahora, nadie ha conseguido definir su estilo totalmente. Para Valo el Love Metal es una música con elementos de pop, metal, gótico, glam... Está inspirada en los sentimientos que se tienen antes del primer roce, antes del primer beso.
Valo es un híbrido a medio camino entre carismático líder de una banda de rock y decadente poeta en desgracia. Su imagen andrógina (resultado, tal vez, de los ancestros húngaros de su madre responsables de su aspecto oscuro y de las gotas de sangre de Drácula que corren por sus venas), junto con su especial estilo en los escenarios, con una copa de vino tinto en una mano y un cigarrillo en la otra y su voz profunda y pasional atraen la atención del publico de un modo irresistible
Tras publicar su primer sencillo: Wicked Game (versionando el título original de Chris Isaak) sacó a la venta en 1998 su primer álbum: Greatest Lovesongs Vol. 666. Para Valo y para HIM, el 666 es toda una contradicción, es el Bien y el Mal en el amor. El amor es más grande que la vida y más aun que la muerte el interminable duelo entre lo carnal y la pureza. De las nueve canciones de este disco, siete son originales escritas por Valo. Las otras dos, son las magnificas versiones que HIM interpreta, la citada anteriormente Wicked Game y (Don' t Fear) The Reaper, siendo esta última todo un clásico de los 70 del grupo Blue Öyster Cult. Poco después lanzó un nuevo sencillo (perteneciente también de este primer álbum) con el título de When Love And Death Embrace.
Dos nuevos singles bajo el titulo de Join Me (siendo este uno de los temas más representativos del grupo) precedieron a la publicación de su segundo disco a principios del año 2000: Razorblade Romance, alcanzando un éxito rotundo y vendiendo más de un millón de copias en todo el mundo (30.000 de las cuales se comercializaron en España). En este trabajo se despliega ya toda la fuerza del grupo y constituye el despegue definitivo de uno de los grupos más importantes de los 90. Right Here In My Arms, Poison Girl y Gone With The Sin son los títulos de los tres sencillos que salieron a la venta tras el éxito masivo de Razorblade Romance.
Pretending es el single que anuncia el disco Deep Shadows and Brilliant Highlights que ve la luz en Agosto del 2001. A pesar de ser un grupo muy representativo de lo que se ha dado en llamar rock gótico, este trabajo se parece más a grupos como Led Zeppelin o Bon Jovi (el productor de este trabajo, Kevin Shirley, ha trabajado también con grupos como Aerosmith, The Black Crowes), que a otros grupos, reyes del afterpunk (y origen del rock gótico), como pueden ser Bauhaus o Joy Division (incluso se permite homenajear el tema Ashes to Ashes de David Bowie en su canción Heartache Every Moment).
Con todo esto estamos ante un grupo incomparable, pasional y conmovedor, del que disfrutaran tanto los amantes de la escena gótica como aquellos que disfrutan con la música de los años 80.

SHREK, UN PECULIAR CUENTO DE HADAS

SHREK
Hace mucho, mucho tiempo, en una lejanísima ciénaga vivía un intratable ogro llamado Shrek. Pero de repente un día, su absoluta soledad se ve interrumpida por una invasión de sorprendentes personajes de cuento. Hay ratoncitos ciegos en su comida, un enorme y malísimo lobo en su cama, tres cerditos sin hogar y otros muchos seres increíbles que han sido deportados de su reino por el malvado Lord Farquaad. Para conseguir salvar su terreno, y de paso a sí mismo, Shrek hace un pacto con Farquaad y emprende viaje para conseguir que la preciosa princesa Fiona sea la novia del Lord. En tan importante misión le acompañan un burro chistoso, dispuesto a hacer cualquier cosa por Shrek. Todo, menos estarse calladito. Rescatar a la princesa de una dragona enamoradiza que suelta fuego al respirar va a resultar una tontería comparado con lo que ocurre cuando el oscuro secreto que la joven guardaba es revelado.

Es la primera película dirigida por Andrew Adamson (encargado de los efectos visuales de películas como Mentiras arriesgadas, Toys, Batman forever o Batman & Robin) y Victoria Jenson (directora artística de La ruta hacia El Dorado).
La voz del monstruo en la versión original la pone Mike Myers (Austin Powers: la espía que me achuchó), que sustituyó al fallecido Chris Farley. Le acompaña doblando a la princesa Cameron Diaz (Los ángeles de Charlie, The invisible circus).
Está producida por DreamWorks tras trabajos como Hormigaz, Evasión en la granja, La ruta hacia El Dorado o El príncipe de Egipto.
Entre los guionistas figuran Terry Rossio (La ruta hacia El Dorado) y Joe Stillman (Beavis y Butt-Head).
La versión española está doblada por el dúo de humoristas Cruz y Raya.
Se basa en el libro infantil escrito por Wiliam Steig del mismo título.
Se presentó con gran repercusión en el Festival de Cine de Cannes 2001 y fue la primera película de animación presentada en el Festival desde 1973, cuando participó The nine lives of Fritz the cat.
El título parece que proviene de la palabra schreck, que significa miedo en alemán, aunque también se rumorea que podría hacer referencia al apellido del actor que interpretó Nosferatu, Max Schreck.
Está totalmente realizada con ordenador y el rodaje, en el que participaron más de 275 animadores, comenzó el 31 de octubre de 1996.
Se asegura que el personaje del perverso Lord Farquaad tiene los rasgos de Michael Eisner, directivo de la Disney, empresa rival de DreamWorks.
IMAX ha invertido diez millones de dólares para adaptar la película a 3-D IMAX.
El presupuesto ascendió a 44 millones de dólares.
Consiguió el Oscar 2002 a la mejor película de animación.
SHREK 2
La flamante pareja formada por el repugnante pero buenazo ogro Shrek y la princesa Fiona, convertida en ogro por amor, viaja a presentarse ante los padres de la joven, reyes de la mágica tierra de Muy, Muy Lejos. Horrorizados por el yerno, los padres de Fiona preparan un complot para deshacerse de él que involucra un nuevo candidato para la princesa, el Príncipe Encantado, y un curioso asesino a sueldo, el Gato con Botas.
Secuela de Shrek, el éxito de animación digital lanzado por Dreamworks en 2001 -basado, a su vez, en un libro para niños del estadounidense William Steig-, Shrek 2 repite con inteligencia la fórmula que convirtó al episodio original en uno de los éxitos más sorpresivos del género infantil.
La película vuelve a cuestionar los temas clásicos de la literatura para pequeños, como el falso dilema entre belleza y fealdad, y a la vez practica un humor zumbón y de doble sentido, pensado para los padres de los niños espectadores.
Esta continuación recupera a los actores que pusieron las voces del trío protagónico en el primer capítulo: Mike Myers (Shrek), Cameron Diaz (Fiona) y Eddie Murphy (Burro), a los que se suman John Cleese y Julie Andrews como los padres de Fiona, Rupert Everett como el Príncipe Encantado y el español Antonio Banderas en una celebrada interpretación del Gato con Botas.
La calidad de la animación digital mejora notablemente respecto de Shrek, aunque todavía está debajo del estándar establecido por los films de Pixar, como Buscando a Nemo y Monsters, Inc.
La banda de sonido vuelve a mezclar con astucia canciones originalmente pensadas para adultos, cubriendo tanto el pop masivo (hay una versión de Livin la vida loca cantada a dúo por Murphy y Banderas) como el de culto (Nick Cave and The Bad Seeds, Tom Waits, Eels) con algún toque retro, como el clásico Changes de David Bowie versionado por Butterfly Boucher.
Con este film, de enorme éxito apenas estrenado en los Estados Unidos, Shrek no solo se convierte en una nueva franquicia cinematográfica, sino en el principal éxito de la compañía Dreamworks creada por Steven Spielberg, Jeffrey Katzenberg y David Geffen. Es también la primera amenaza seria que el menguante catálogo de Disney enfrenta en el campo de los largometrajes de animación en muchos años.
PARODIAS, SÍMILES Y REFERENCIAS
Como en la primera entrega, "Shrek 2" basa gran parte de su gracia y encanto en las continuas parodias y referencias que pueblan el film.
Los cuentos infantiles: Además de los protagonistas, en Shrek 2 también aparece una fea hermanastra que trabaja en el tugurio La manzana envenenada; un capitán Garfio que toca el piano y canta (con la voz de Tom Waits y Nick Drake) en la misma taberna, y dos árboles parlanchines de El mago de Oz. Campanilla, Hansel y la Caperucita Roja también se dejan ver en el prólogo de la luna de miel.
Walt Disney: Desde DreamWorks, productora del film, no pueden evitar hacer pequeñas bromas a costa de su máxima competidora en el mundo de la animación: la Disney. En uno de los gags más celebrados del film, una ola trae una sirenita a la playa donde se abrazan Shrek y Fiona. La ogra devuelve a la chica pez al agua de una patada. El candelabro y el reloj de La Bella y la Bestia se cuelan en uno de los números musicales del Hada Madrina.
Películas: entre los incontables guiños a otros films encontramos el mítico beso de Burt Lancaster y Deborah Kerr en De aquí a la eternidad, y el de Kirsten Dunst y Tobey Maguire en Spider-Man; el Asno se marca un baile al estilo Flashdance; Pinocho se introduce en la cámara de los elixires mágicos de la misma manera que Tom Cruise en Mission: Impossible; la caótica presentación de los personajes en la primera cena familiar sucede como en The Rocky Horror Picture Show; el Gato con Botas surge del vientre de Shrek a la manera de Alien y recupera su sombrero in extremis como Indiana Jones; las alianzas de matrimonio se encuadran siempre como en El Señor de los Anillos; el hombre-galleta enorme es similar al muñeco gigante de Los Cazafantasmas, y los más atentos pueden encontrar aún más guiños a títulos como Arma letal, This is Spinal Tab, Sillas de montar calientes, La ingenua explosiva, Cabaret, E.T. El extraterrestre, La máscara del Zorro o la serie Seinfeld...

HILARY DUFF, LA NUEVA REVELACIÓN MUSICAL

Hilary comenzó su carrera profesional en la edad de seis meses mientras que un bailarín con el ballet clásico de Columbus resolvió viajar la compañía del nutcracker. Pronto ella aterrizó en un papel en un anuncio de televisión, fue mordida por el bug" "acting; y atormentada rápidamente encima de una lista de los créditos temporarios de la televisión y de la película. Una estrella joven dinámica, Hilary tiene el papel del título en el "Lizzie internacional McGuire" de la serie del golpe de Disney Channel's; y el papel del plomo en este kelly del "Cadet de la bomba de superdemolición de year's, " cuál alinea como película original lo más arriba posible siempre clasificada de Disney Channel's, la película top-rated en la difusión y la televisión por cable para su semana de la premier y la película clasificada más alta del cable television's . En agosto de 2002, Hilary talentosa se cruzó encima a otras plataformas, haciendo su principio el cantar con el solo "I Can't Wait" en el "Lizzie McGuire" banda de sonido de los expedientes de Walt Disney. La canción catapulted rápidamente encima de las cartas en Disney de radio. Su principio acertado será seguido con su propio álbum de Navidad-themed programar para el lanzamiento este año por los expedientes de Walt Disney.
A sus 17 años Hilary Duff ha logrado acaparar la atención en el cine y la televisión y promete repetir el fenómeno en el mundo musical gracias a su producción Metamorphosis, que marca su ingreso formal a la escena discográfica tras el éxito de su álbum debut Lizzie McGuire Estrella Pop.
Admiradora de Britney Spears, Christina Aguilera, Madonna y Mandy Moore, la blonda adolescente saltó al estrellato como protagonista de la serie televisiva que transmite el canal por cable Disney Channel Lizzie McGuire, en 2001. Ese mismo año debutó en la gran pantalla en el film Human Nature junto a Patricia Arquette y Tim Robbins y desde entonces ha desarrollado una importante carrera en cine que incluye los filmes Lizzie SuperStar, Agente Cody Banks, Dos en casa y Más barato por docena, historia protagonizada por Steve Martin.

Repertorio
Catorce temas en estilo pop y letras que intentan plasmar con una voz dulce y aniñada la rebeldía adolescente, emociones y la ternura _escritas especialmente para teenagers_ caracterizan a Metamorphosis, producción que en Estados Unidos vendió 2 millones de copias y es presentada en el mercado venezolano por IC Records con licencia de Buena Vista récords buscando enganchar al público juvenil tal y como en su momento lo hiciera Britney.
Refiere el comunicado de prensa de ICR que desde hace más de 10 semanas Metamorphosis se encuentra entre los diez discos más vendidos mientras el tema promocional Why Not, se ha colado hasta los primeros lugares de las carteleras radiales criollas.
So yesterday, Come Clean, Workin' It Out, Little Voice, Where Did I Go Right?, Anywhere but Here, The Math, Love Just Is, Sweet Sixteen, Party Up, Metamorphosis, Inner Strength, Why Not y Girl can rock, son las líricas presentes en Metamorphosis, álbum mediante el que la joven intérprete _con look inocente y nada atrevido_ ha conseguido ser la luminaria pop del momento.

HARRY POTTER, EL MAGO QUE HA CONSEGUIDO HECHIZARNOS

Con motivo del inminente estreno de la tercera entrega de las aventuras del joven mago "Harry Potter y el prisionero de Azkabán" dirigida por Alfonso Cuarón, recuperamos en este reportaje lo más destacado de las dos primeras entregas de la serie: "Harry Potter y la piedra filosofal" y "Harry Potter y la cámara secreta" ambas dirigidas por Chris Columbus. Harry Potter es un fenómeno literario que ya ha vendido más de 100 millones de ejemplares en todo el mundo. Nacido de la imaginación de la escritora J.K. Rowling, las aventuras de este niño mago han cobrado vida en esta serie.

HARRY POTTER Y LA PIEDRA FILOSOFAL
"Harry Potter y la Piedra Filosofal" es la historia de un niño huérfano de diez años que vive con sus tíos una vida gris y aburrida. Pocos le quieren, pocos le hablan. Desde siempre le han dicho que sus padres murieron después de su nacimiento. Pero todo cambiará el día que cumple 11 años y recibe una carta a través de la cual se entera de que ha sido admitido en el Colegio Hogwarts de Magia. Su presente cambiará y lo que hasta ahora creía que era su pasado también: sus padres habían sido unos magos excelentes y murieron al enfrentarse con Lord Voldemort, un poderosísimo y maligno hechicero, que también intentó matarlo a él y, después de una intensa lucha y no conseguirlo, desapareció. Desde entonces Harry tiene una cicatriz con la forma de un relámpago en su frente. A partir de su admisión en Hogwarts aprende que está destinado a realizar grandes hazañas, acompañado de sus inseparables amigos Ron y Hermione.
El éxito de la saga Harry Potter en el mercado editorial quizá haya alcanzado dimensiones inesperadas, pero en ningún caso debería ser considerado un triunfo inocente. Hábil destilación de mitologías pretéritas y futuras combinadas al gusto contemporáneo, Harry Potter es un monstruo de Frankenstein cuyos jirones de carne han sido cosidos para gustar, sin que se noten excesivamente las costuras. Su creación fue, en suma, una jugada maestra con claras posibilidades de hacer saltar la banca. Así debieron verlo los responsables de esta modélica adaptación a la gran pantalla que, lejos de improvisar una operación orientada a una rentabilidad tan inmediata como efímera, parecen haberse propuesto algo muchísimo más ambicioso: el bautismo de fuego de un nuevo mito cinematográfico, o, si prefieren términos más prosaicos, la inauguración de una longeva franquicia en la industria del espectáculo.
Harry Potter ha llegado a las pantallas para quedarse y eso se nota en un resultado final que no subestima el alcance mitológico de la fantasía dirigida al público infantil y juvenil. El resultado es un Episodio I autoconsciente de su futura importancia, hipnótico desde el primer fotograma, permeable a la riqueza referencial del original literario y narrado no tanto con mera corrección como con trazo certero. "Harry Potter y la Piedra Filosofal" podría ejemplificar el tópico de película para niños que no aburrirá a los mayores, pero es algo más que eso: es cine infantil abordado con el rigor y el respeto al espectador que uno presupone a una película verdaderamente adulta. En unos tiempos en que eso es mucho presuponer.

HARRY POTTER Y LA CÁMARA SECRETA
El joven y educado Harry Potter (Daniel Radcliffe) ha crecido. Sigue siendo un inquieto aprendiz de mago en la escuela Hogwarts, pero ha ganado en sabiduría y pericia con los encantamientos y, claro, se tiene que enfrentar a nuevos retos. Pero antes se ve obligado a pasar un verano más bien aburrido, en compañía de sus insoportables tíos y sin recibir ninguna carta de sus amigos, Ron (Rupert Grint) y Hermione (Emma Watson).
Repentinamente, una extraña criatura, el elfo Dobby, aparece y le advierte de un grave peligro si regresa al colegio. El travieso elfo doméstico había secuestrado las cartas de Ron y Hermione e impide que Harry salga de casa, hasta que el valiente Ron acude, en un coche volador, a rescatarlo. Mientras, la fama de Harry Potter ha ido creciendo en el colegio, provocando envidias entre sus enemigos, comandados por Draco (Jason Isaacs) y por el nuevo profesor de Defensa contra las artes oscuras, Gilderoy Lockhart (Kenneth Branagh).
Harry Potter y la Cámara Secreta no es, sustancialmente, una película demasiado distinta de la precedente: su primer tramo se abre con energía y puede retrotraer al espectador adulto a aquellos días en que películas como Un mundo de fantasía, Chitty Chitty Bang Bang o La bruja novata fijaban el techo del placer precinéfilo. También incorpora algunas nuevas presencias gratificantes, como la de la espectral llorona Myrtle o el fatuo Gilderoy Lockhart (encarnado con cierto giro autoirónico por Branagh), y cierta voluntad de mensaje (en torno a la dialéctica segregación/integración de los nuevos entornos escolares). Algo tan indefinible como la evaporación de la magia hace, no obstante, que el conjunto no se eleve: así, este Harry Potter acaba pesando no solo más que un pato, sino casi más que un paquidermo una vez la trama coloca sus cartas sobre la mesa. Estas casi tres horas de ambiciosa ficción para todos los públicos pesan demasiado, y el resultado acaba situándose más cerca de los correcto que de lo sobresaliente.

HARRY POTTER Y EL PRISIONERO DE AZKABÁN
Es un nuevo año en la escuela de magia donde Harry tiene que lidiar no solo con sus profesores y con la pubertad sino con la amenaza de Sirius Black (Gary Oldman), mago acusado de innumerables muertes y fugado de la cárcel de Azkabán en busca de Harry. Menos mal que el joven aprendiz de mago tiene un amigo en el nuevo profesor de Defensa Contra las Artes Oscuras, Remus Lupin (David Thewlis). Pero incluso su mejor aliado tiene un terrible secreto en las noches de Luna llena.
Nuevo curso en Hogwarts. Nuevos enemigos, nuevas aventuras. Mucha más oscuridad y tribulaciones adolescentes, marca de la casa del nuevo director, Alfonso Cuarón. Nuevos profesores y un nuevo Dumbledore, encarnado por Michael Gambon. Harry, Hermione y Ron ya no son críos, y parece que la saga del niño mago también va a alcanzar la madurez con "Harry Potter y el prisionero de Azkabán". La suerte (magia) está echada.
Los estudios Leavesden, perdidos en la campiña británica, también recuerdan a un bullicioso colegio el primer día de clases con los 2.000 miembros del rodaje que han hecho posible esta saga y que han dedicado sus últimos 150 días de trabajo a la realización de Harry Potter y el prisionero de Azkabán. Su movimiento es rápido por los nueve decorados principales de esta película: del dormitorio de Harry Potter ¿donde encontramos su bufanda, sus tebeos y sus golosinas en el cajón de la mesilla¿, al salón de banquetes, pasando por el despacho del profesor Dumbledore o la casa de Hagrid. Estos escenarios son tan reales que a mucha gente le gustaría vivir en ellos. Y es aquí, en su territorio, donde Daniel Radcliffe, Rupert Grint y Emma Watson, los tres jóvenes protagonistas de esta saga, hablan de las cosas más importantes en su carrera artística. No me importaría conocer a Cameron Diaz, afirma el primero, mientras Grint escucha música (concretamente a Blur y The Darkness) y la única chica habla de hormonas de esta manera: La película va de esto, de esas encantadoras hormonas que te hacen un adolescente, afirma con el sarcasmo propio de su personaje, Hermione, la joven formal y estudiosa que en esta cinta aprenderá sentimientos que no enseñan los libros. En el primer y el segundo film se presentaron los personajes, pero en esta tercera parte nos conocemos, y con el conocimiento llegan las peleas, adelanta esta joven de pelo ondulado. Es la primera vez que tendremos una pelea en toda regla. Además, Hermione se ha hecho una rebelde. El nuevo realizador, Alfonso Cuarón, también ofrece una peculiar descripción de la película que resume con una idea: Búsqueda de la identidad. En ese sentido se parece mucho a Y tu mamá también, asegura. Un ejemplo de ello lo explica Grint: El primer día, Cuarón nos pidió que escribiéramos un ensayo sobre lo que significa tener 13 años. Y no fue nada fácil... Cuarón parece olvidarse de que está dirigiendo una cinta infantil de 200 millones de dólares (160 millones de euros), donde no hay lugar para el sexo que mostró en su joya indie filmada en 20 días por cinco millones de dólares (cuatro millones de euros). Pero no: Hablo de lo que significa ser adolescente, y si Y tu mamá también marcaba el paso a la madurez, en esta nueva parte de Harry Potter retrato a tres chavales que entran en la adolescencia, aclara risueño. Radcliffe sentencia: En esta ocasión hay mucha más angustia adolescente. Y mucha rabia, más ganas de pelea.
Hubo algunos vacíos que llenar como el dejado por Richard Harris. La película se había quedado sin mago y no hubo nombre de actor por encima de los 60 que no fuera considerado para el papel. El de Ian McKellen salió varias veces a relucir pero ya tenía su propio mago, Gandalf (el gris o el blanco), en la trilogía de El Señor de los Anillos. Al final la elección recayó sobre otro irlandés como Richard Harris, Michael Gambon. El primer día de rodaje Alfonso me dijo: ¿Qué acento es ese? Y me di cuenta de que hablaba con acento irlandés, supongo que en homenaje a Richard, reconoce sobre su papel de Dumbledore. Las diferencias: algo más sucio, algo más bromista con los chavales y mucho más ágil en sus escenas. En esta película, Dumbledore se pasa el día escaleras arriba escaleras abajo, y no creo que Richard hubiera podido con tanta agitación, admite. Junto a Gambon, las novedades son la presencia de Gary Oldman como Sirius Black y de David Thewlis como Remus Lupin. El primero, encantado por una vez de hacer algo que sus hijos puedan ver y el segundo, amante de las aventuras literarias de Los tres investigadores y de Alicia en el País de las Maravillas, a quien el papel le cayó del Cielo. Fue la mejor de las sorpresas, porque estaba acabando mi propio film (se refiere a Cheek, una comedia dramática que ha dirigido) cuando me llamaron. Creo que Alfonso conocía mi trabajo, pero pasé de no saber nada a verme todo embadurnado de crema corporal para el maquillaje de Hombre Lobo, delata Thewlis del gran secreto de su personaje. A juzgar por el reparto, parece que no hay actor británico que no participe en Harry Potter y el prisionero de Azkabán, incluida Emma Thompson dando vida a la excéntrica profesora Trelawney. Heyman, como productor, desmiente esa idea: Sí parece que tenemos alguna ayuda por parte de los hijos, sobrinos y nietos de los actores, acepta.
El estreno de Harry Potter y el prisionero de Azkabán no hará más que abrir un nuevo interrogante en la saga, y no será precisamente por si la película tendrá éxito ¿eso está casi garantizado¿, sino por el futuro de la franquicia. Es una carrera a contrarreloj, especialmente por los chavales, porque en cuanto te descuidas crecen, señala Heyman. Por eso, sin un segundo que perder y antes de que Cuarón haya acabado su obra, la cuarta entrega, Harry Potter and the Goblet of Fire, se ha empezado a rodar. Los mismos decorados, el mismo reparto, pero diferente director: Mike Newell. Tengo envidia de Mike porque podrá disfrutar de los chavales, acepta Cuarón. Pero estoy completamente agotado; esto ha sido una prueba de resistencia y necesito unas vacaciones. Heyman lo ve más como una posibilidad de darle otra voz a Harry Potter, en esta ocasión y por primera vez británica, gracias a la nacionalidad de Newell. No solo porque es británico, sino porque ya ha rodado con niños, ha hecho comedia y ha trabajado materiales más tenebrosos, aclara. Puestos a aclarar, ¿qué pasa con la quinta, la sexta y la séptima, las dos últimas, adaptaciones de libros que aún ni existen? Según Heyman los contratos vigentes solo llegan hasta la cuarta entrega: No hay compromiso firmado con la quinta. De momento debemos concentrarnos en la cuarta. Eso es todo, resume.

TIZIANO FERRO

El panorama del pop italiano andaba carente de nuevos valores. Tras Eros Ramazzoti y Laura Pausini, pocos nombres –a parte de Zucchero, claro está- habían destacado en el mercado internacional. Pues bien, con energías renovadoras y una coartada actual, Tiziano Ferro se ha convertido en la nueva revelación musical de Italia.
Nacido en Roma en 1980, el joven Tiziano se cría en el barrio de Latina. De pequeño muestra inquietudes musicales, aunque hasta las 16 años no empiezan sus contactos con el medio, al incorporarse a un coro de gospel en su barrio. De ahí al festival de Sanremo, donde en 1998 conoce a los que serán sus productores durante su segunda participación en el certamen. Con el nuevo milenio llega Xdono, su debut en formato single, que provoca un gran revuelo en el mercado italiano. Poco después, aparece Rosso Relativo (2001) el primer álbum, mientras su popularidad trasciende las fronteras italianas. El sonido de Tiziano Ferro, nutrido de R&B, two-step y baladas, cala hondo entre el público, para llevarle a lo más alto de los charts. Su último disco, publicado hace poco, es "111".
Influencias:
Black music:
El amor de Tiziano Ferro por la música negra empieza tras su afiliación a un coro local de gospel, siendo tan sólo un adolescente. No obstante, en su propuesta se perciben mayores dosis de ritmos y estructuras contemporáneas, como el R&B o el hip-hop, donde el muchacho se desenvuelve con soltura. También el soul se cuenta entre sus influencias.
Pop:
Pese a todo, Tiziano es blanco e italiano, por lo que tampoco es conveniente olvidar que las melodías emotivas forman parte de su cultura. El cantante recupera el testigo de Eros Ramazzoti o Zucchero para llevar el italiano a los primeros puestos de ventas, con una fórmula deudora de las tendencias pop anglosajonas de finales de los 90.
Discografía:
Rojo relativo:
"Cada tipo de emoción está coloreada por diferentes matices obsolotumente personales
para cada uno de nosotros. El sentimiento es una emoción. Todo lo que está causado por las "siete notas" está inclinado a los cambios emocionales, a los malentendidos, golpes pasionales o la indiferencia. Me gusta ensalmar cualquier reacción con un color. Todos pueden ver en una canción el matiz que cada uno prefiere y cada uno puede combinarlo a un texto o a una melodía. El amor pasional ha sido siempre imaginado como rojo.
Yo tambien lo he imaginado siempre "rojo". La música es el más grande de mis amores...indudablemente. Por eso escogí ese título. La canción "Rosso Relativo" habla sobre un amor ficticio, momentaneo, fuerte pero corto, un gran incendio destinado a estar apagado pronto...pero un incendio real! Por eso "Rosso Relativo" concerniente a la situación, a la capacidad y al carácter de quién vive una situación como esa, concierne a quién escucha esa música. Es un rojo brillante durante una noche de amor, una noche durante la cual una banda sonora podría ser "Le Cose Che Non Dici", "Primavea non è +" o "LOlimpiade", canciones estilo R&B, voz con coros y percusiones. Es un rojo debilitado el día después pues se está descolorando el entusiasmo, quizás mientras que escucha los blues "mid-time" de "Mai Nata", "Di Piu", "Boom Boom" o "Soul-Dier", temas que sienten los efectos de la gran influencia negra que el gospel ha dejado en mi. Durante los momentos reflexivos nacieron las baladas como "Imbranato" y "Il Confine" en los cuales el espiritu del soul se une con el fuego italiano, el fuego que nos marca como hombres pasionales pero mientras tanto como narradores sensibles de sentimientos. El album acaba con "Il Bimbo Dentro. Esta canción ES TIZIANO como mucha gente le ha conocido, como quien ha aprendido a quererlo. Esta cancion cierra el album pero es mi manifiesto; el conocimiento profundo de una persona pasa a través de diversas etapas de la comprensión y así que he decidido que termine mi trabajo con sus notas, solo para decir: ¡aquí estamos, después de escuchar mis diferentes caracteristicas con las primeras 11 canciones, ahora te doy todo lo que soy, mi más sensible y cerrada parte, mi "bimbo dentro" (niño dentro) !! El dolor me hace daño pero siempre creo en la esperanza. En este lio de emociones todos mis pensamientos se queman en el fuego de la música y las cenizas se convertirán en...canción!
Mi música es ciertamente roja...pero un rojo relativo!"
111:
Después del éxito que logró con su álbum debut, Rojo Relativo, Tiziano Ferro, que irrumpió el año pasado en nuestro país con su single Perdona, vuelve con 111 su segundo trabajo, con el que pretende mantener el status que consiguió con su primer disco, tanto en Hispanoamérica como en el resto de Europa. Por ello, 111 se ha grabado en español, italiano y francés.
"Voy a mantener la misma tónica de la producción anterior, fusionando el R&B con la música italiana, porque fue un gran acierto y además estoy mejorando la música y la voz. El título tiene que ver con un número que ha aparecido muchas veces en mi vida y he compuesto la mayoría de los temas", ha declarado el cantante italiano de 23 años.

BRAVEHEART, LA HISTORIA DE ESCOCIA

Este lunes todos podremos disfrutar de una gran película (una de las mejores que se han podido rodar, según mi parecer) : Braveheart. La cadena Antena 3 nos brinda el placer de poder verla una vez más (para todos aquellos que ya se hayan adentrado en ella) y el poder descubrirla y adentrarse en el fantástico mundo escocés y en la vida del mayor protagonista de la historia de Escocia, WILLIAM WALLACE, para todos aquellos que no hayan tenido ese placer que ya hemos tenido muchos otros. Desde aquí queremos hacer un recorrido por toda la película, así como de sus fallos respecto a la realidad, pero que aún así, sigue siendo una película en la que al finalizar, acabas con los vellos de punta.
"Voy a hablar de William Wallace,los historiadores ingleses dirán que soy un mentiroso,pero la historia,la escriben aquellos que cuelgan a los héroes". Así comienza la película...
Mel Gibson se aventura nuevamente en la tarea de la dirección, luego de "The Man Whithout a Face" ("El hombre sin rostro", 1993). Esta vez narra la historia épica de William Wallace, un guerrero escocés que vivió a fines del siglo 13, y dirigió a su pueblo contra la dominación inglesa liderada por el rey conocido como Edward the Longshanks, interpretado por Patrick McGoohan, un experimentado actor que ganó la admiración de Gibson en su juventud.
En palabras del australiano director, "Wallace es una de las personas que han cambiado el curso de la historia. El es una increíble historia de coraje, lealtad, honor y la brutalidad de la guerra. Esta película es además una inspiradora historia de amor". Esa parte de esta narración es interpretada por la debutante Catherine McCormack.
La filmación fué realizada en locaciones en Irlanda y Escocia. Según un largo documental aparecido en el canal de cable FOX ( en Intercom el 27 ), paradójicamente el equipo eligió el lugar que estadísticamente corresponde al punto más lluvioso de toda Europa, por lo que las escenas de tipos llenos de barro y agua no son todas intencionales...
Willian Wallace (Mel Gibson) era un comunero (ciudadanos casi libres dentro de un feudo) escocés del siglo XIII. Por razones históricamente desconocidas lideró una revuelta contra los ingleses, a quienes temporalmente expulsó de Escocia hasta que fue capturado y ejecutado. En la película, el motivo de Wallace es el odio visceral que siente hacia los ingleses por haber asesinado a su amada, lo que le lleva a masacrar ingleses con ayuda del pueblo llano aunque no consigue arrastrar a la nobleza, que ve peligrar sus privilegios.
Las escenas de guerra de la película son brutales, casi tanto como las ejecuciones sumarias que se muestran en la cinta. Para recrear estas batallas se llegaron a utilizar hasta 2000 extras al estilo de las antiguas superproducciones del Hollywood de los cincuenta. En estas escenas de batalla se ve correr la sangre a rios, intentando mostrar la brutalidad de la guerra (en realidad estas batallas medievales, vistas desde cerca eran todavía mucho más viscerales).
Aunque la película dura casi tres horas, está rodada con ritmo y las escenas de violencia descarnada evitan cualquier adormecimiento.
ERRORES RESPECTO A LA REALIDAD
Aunque a nuestro parecer sea una de las mejores películas que hayan sido realizadas no está exenta, ni mucho menos, de fallos en su realización
Aunque algunos de los fallos se deben más a una mala documentación histórica de los hechos para conseguir un mayor espectáculo, otros son errores en la realización del film.
Fuera de la ficción, ni Eduardo I parece haber sido el tirano sediento de sangre que aquí se nos muestra - de hecho, fue el creador del modelo parlamentario y uno de los primeros reyes en permitir el acceso del pueblo a puestos de responsabilidad en el Gobierno -, ni su hijo el afeminado impotente que Mel Gibson, director y protagonista de la película, se complace en dibujar.
Pero la falacia histórica más grave es que William Wallace fue ejecutado en 1305 e Isabel de Francia no pisó Inglaterra hasta el año 1308; y no lo hizo para casarse con Eduardo II, pues ya estaba casada con él. Difícilmente pudo haber conocido a Wallace, todavía menos engendrar un hijo suyo.
Por otra parte Murron, la mujer de William Wallace, no murió degollada sino ahorcada, y cuando ocurrió su esposo ya estaba implicado en la lucha contra Inglaterra; de hecho, la ejecutaron precisamente por eso.
Además Robert The Bruce, nuevo rey de los escoceses, tenía 17 años en tiempos de William Wallace - En la película ronda los 40 - y su temperamento combativo parece haber estado a la altura del propio Wallace mientras que en la película, quien sabe si por exigencias de la estrella y director, aparece bastante más blando, y relegado a un segundo plano.
Expertos en historia militar han señalado numerosos errores en las batallas, desde el emplazamiento en que ocurrieron hasta el modo en que se desarrollaron.
Y, en cuanto a la costumbre de los escoceses de pintarse la cara para entrar en batalla, es real, pero no corresponde a la época : en los tiempos de Wallace llevaba en desuso más de doscientos años.
También acerca de la ropa hay un error, ya que hasta mediados del S.XVIII no se empezó a usar la “típica” falda escocesa.